本文是在对这篇回答的续写：
在这篇回答中我精选了华语地区优秀的摇滚、重型、说唱这些小众的专辑，而接下来也应大家要求，精选一些“主流音乐”的专辑，为了避免回答长度过长而影响阅读，故单独撰写一篇文章。另外觉得只选十张专辑会有诸多缺憾，就决定将容量扩充到20张，也尽可能让20张专辑来自不同的歌手。
“主流音乐”是一个相对模糊的概念，这里就把有大唱片公司进行商业包装运营、面向普通听众、音乐风格较为流行的音乐称为主流音乐（当然也碰上了介于两边之间难以分清的，比如朴树，这里我就自作主张把朴树划入摇滚界的范畴了）。
这里精选的20张专辑，不一定是这十年里主流乐坛最好的20张，而且有很强的个人审美偏好，但我是能保证这20张都是值得一听的专辑。（这也意味着不是我没选上就不好，我不打算照顾任何一个人的口味）
1、周杰伦 - 跨时代
周杰伦是21世纪初期的华语乐坛重要到无法绕开的存在，他贡献出了他改良以适宜华语地区听众的R&B，也在Pop的创作、中国风元素在流行音乐中的运用上，为后来无数音乐人树立了一个典范，当然也寄托了很多人的青春。这张《跨时代》是周杰伦承上启下的之作，延续了周杰伦一贯的R&B、Rap、Pop、Pop
Rock、中国风等标配要素，也对Auto-tune、电子乐的运用进行了初步的尝试，处在这个时间点发布也暗合了年代的变迁，作为本文精选的第一张专辑也正合适。
《跨时代》这张专辑回过头来看音乐性是很丰富的，有《免费教学录影带》对Blues Rock这种在主流音乐罕见的曲风进行尝试，且做出了非常味道纯正的吉他和贝斯编配，也不乏通俗流行的曲风，还有《烟花易冷》这种非常优秀的旋律写作和和弦编写、《雨下一整晚》刚柔并济的乐器编排，都非常亮眼。
“跨越时代”这种张扬不可一世的姿态，用在周杰伦身上，真的是恰如其分。
2、魏如萱 - 不允许哭泣的场合
尽管魏如萱在10年代也贡献出了《还是要相信爱情啊混蛋们》《末路狂花》这些颇受好评的专辑，但我最喜欢的还是这张在2011年发行的《不允许哭泣的场合》，我敢说，这是华语地区最集优雅和甜美于一身的专辑。以“记忆标本”作为概念的专辑，有着饱满的情绪，名为“不允许哭泣”，却用着甜美的表面包裹着深层令人潸然泪下的悲伤。
《不允许哭泣的场合》把管弦乐玩出了多种形态，《溶话》精致如室内乐一般的乐队配置，《三个字》里颇具Swing感的管乐重奏等，都让专辑显得优雅有格调，还有《飞鸟》《噢哟》的BandSound的硬朗听感也中和了专辑的甜美和柔软，显得甜而不腻。既有古典管弦、当代成人抒情，也有BandSound，甚至有《勾引》这种以Trip-Hop为基础融入Spoken
Word的实验性曲风，但专辑概念贯穿始终、曲序安排讲究，前半张偏管弦，后半张逐渐乐队化，整体依然保持了很统一的气质。
魏如萱并不是一个唱功卓越的女歌手，但作为唱片歌手，魏如萱很懂得把玩声线，时而温柔，时而张扬，时而甜美，变化多端。
诚然林忆莲是非常善于唱情歌的歌手，但认为林忆莲“作品艺术性不高且局限于芭乐”这种观点，对那些真正了解过林忆莲的乐迷来说，真的显得颇为搞笑。事实上深受70/80年代的R&B、Funk、Disco、Dance
Pop熏陶的林忆莲有着非常强大的乐感、律动能力，也很有前卫的追求。《盖亚》这张专辑，由常石磊这位颇具前瞻性的奇才担纲制作、又与恭硕良、吴青峰等音乐人碰撞，让林忆莲发挥其过硬的演唱技术，玩了一波Bjork式的具有实验性的作品。
整张专辑多是带电子和摇滚相交融的实验性曲风，也将氛围、金属、弦乐等元素交融在这张专辑里，以排山倒海的气势逼人而来，夸张而又瑰丽，有如专辑的命名——希腊神话中的大地之母盖亚一样，妖冶而广博。林忆莲演唱大到强烈的冲击，小到丰富的细节，强声、怒音、气声等等，都在这张专辑里展现得淋漓尽致。
这张专辑可以说，充斥着阴冷、绝望和愤怒，它几乎和唱片工业的商业、世俗是对立的，已经远远超出了常人认知中的“流行”。
4、张悬 - 神的游戏
Rock间的《神的游戏》，是张悬在《城市》之后做出的一张创作质量更高、专辑整体更完整的一张专辑。乐器编排较为精简，多是摇滚的三大件，偶有钢琴，音色都处理得非常清晰、明亮，颇具开阔感。另外这张专辑在编曲上也吸收了诸多在Post-Rock中常见的手法，典型的有《两者》的吉他分解和弦、音墙、以及鼓的打法；《我想你要走了》中加厚织体的PAD。整张专辑编曲、混音中的细腻之处颇多，《玫瑰色的你》里相对有力的钢琴柱式和弦、显得“靠后”的人声、《疯狂的阳光》里比失真的人声还惹人注意的的鼓和贝斯等。
从流行文化的角度来谈，张悬是华语乐坛极具人文属性的一个女性Songwriter。这张专辑所展现的张悬，也绝非许多人刻板印象里的“文艺小清新”，而是义无反顾地投身入各种社会议题、试图用隐晦的文辞传递一个宏大的世界观和社会责任感的流行文化史诗。
张悬在专辑中写下：“缘份是神，游戏，是我们。”短短几个字，仿佛就囊括了无数人一生的爱恨。
李健离开水木年华单打独斗十年后的献礼之作。在《拾光》里，李健精选了多首以往的作品，还有自己以前从未演绎过的《丽江》，进行了古典化的改编。由李健、赵兆、王之一、陈新若等人合作制作这张专辑，由50位国际首席爱乐乐团成员为歌曲伴奏。整张专辑的15首正式曲目都没有现代的电声三大件，只使用了钢琴、管弦乐和古典吉他，这无疑削弱了作品的流行性，但让作品也显得端庄，若是忽略李健的人声，这张专辑俨然就是十几部古典小品。
专辑歌曲的乐队编制大到《一往情深的恋人》中钢琴弦乐与铜管木管交织，小到《异乡人》只用了一把古典吉他伴奏全曲；有大提琴紧凑的顿弓撑起了《向往》的昂扬，有钢琴琶音和竖琴交织成《抚仙湖》的绝美。即使是对于不偏好古典音乐的那些流行音乐听众来说，李健的演唱和作曲也能够非常吸引人，他很善于以绵长的气息和圆润的咬字结合自己优秀的演唱技巧贴合歌曲，游刃有余地让你忘记了技巧的存在，旋律也多是平缓优美的。只要他一开口，仿佛全世界也都静下来聆听。
流行音乐很多时候是工业化生产且具有可复制性的，《拾光》却与之常背道而驰，李健在唱片不景气、生产复制批量化的背景下，选择了把品质做到了极致。
6、孙燕姿 - 克卜勒
孙燕姿作为一名女歌手，并不像张悬、陈珊妮那样时常以作品承载其世界观价值观，也不像林忆莲、张惠妹那样有直观让人感受到的强大演唱能力，但不妨碍孙燕姿在演唱中所展现的绝佳细节处理，让她的歌声能够真挚地打动人心，而让她大受欢迎。这次入选的《克卜勒》，其实算是一张非常保守的专辑，但也是一张能承载更多普通人的普通情感的专辑，彼时已经33岁的孙燕姿，在《开始懂了》《我怀念的》之后，依然能用《银泰》《错觉》《天使的指纹》等更平和的歌曲抚慰人心。
《克卜勒》这张专辑的编配大部分是传统的钢琴弦乐等原声乐器，搭上电声乐队，曲风多是常见的Pop、Pop Rock，不过也有Dance Pop的《无限大》、Smooth Jazz的《比较幸福》，在保持专辑整体平和也稍稍扩展了专辑的风格广度。在“深情”泛滥成灾的当下，这张情感克制的专辑，也像以“Kepler”为名的星星一样，平淡而闪耀着光。
这是我在这20张专辑里唯一选中的粤语专辑。谢安琪的粤语专辑永远是能够同时具有音乐性和话题性，总能成为一个吸引眼球的话题。这张紧扣着香港地区的时政的《KONTINUE》让人看到了，流行音乐可以不局限于风花雪月，也可以是时代的记录，是承载着一个时代人的心声、供后人回望的精神留存。
当然，即使抛开《KONTINUE》在歌曲题材上的出格，这依然是一张很悦耳且丰富的专辑，有伍乐城、泽日生、Cousin Fung、My Little Airport等优秀的香港音乐人的参与，为这张专辑支撑起了的音乐性。曲风和唱腔俏皮的《C餐》，很酷的《势不两立》《箧神》两首Dance，很柔韧感性的《我可以被这个世界淘汰
但我不可以被世界击败》以及结构新颖的《独家村》这些抒情性曲目，即使黄伟文作词、有非常隐晦的内涵的《家明》也被伪装成了一首感伤的情歌。
【PS：也不知道这张专辑到底发生了啥（有一个可能性是涉及政治），居然在QQ音乐、网易云音乐、虾米音乐都下架了（甚至有的连平台上都没有这张专辑的发行信息）……不过还好，我能在Apple Music北美区能听，这个时候就很感谢我在北美的哥们（。】
在主流乐坛，说蔡依林是唱跳歌手、流行舞曲的代表丝毫不过分，在10年代，蔡依林接连贡献出几张质量优秀的专辑，把“舞曲”带到了非常高的高度。这张《呸》里，蔡依林的演唱能力又更进一步，制作团队也非常强大，在这张电子乐元素密布的专辑里，编曲混音都细致得无可挑剔，音轨繁复但依旧十分清晰，与人声贴合得天衣无缝。
《呸》延续了《大艺术家》的艺术追求，在许多人以小众和文艺为美的时代，蔡依林用非常流行、非常工业化的音乐形式对时下各种文化现象进行调侃。专辑最具话题性的歌曲《PLAY我呸》就以舞曲的形式和意识流的词作，戏谑地将轰趴、健身、文青等潮流写进歌里，《第二性》《不一样又怎样》毫不避讳地谈及性别相关问题。除此之外歌曲质量也都是上乘的，除了传统的抒情和Dance
Pop，还有Trip-Hop《唇语》、Dubstep《Miss Trouble》、House《电话皇后》也体现了蔡依林在音乐审美上的突破与进步，积极与潮流接轨。
无论你喜欢与否，都很难否认，蔡依林在华语乐坛有着很强大的生命力，在许多同辈女歌手青黄不接的时候，她在10年代的专辑依然都兼具艺术性和流行性，依然能覆盖到许多受众。
9、许哲珮 - 摇摆电力公司
很多人对许哲珮的印象仅仅局限于《气球》，但倘若你去听她的每张专辑，你会发现她的作品风格和取材都非常独特。她时常将极具幻想色彩的故事情节写入歌曲，但记叙而不议论，搭配她作曲中对小调音阶、跳跃性强的旋律线、切分节奏的灵活运用，有如童话般天真浪漫，但却经常藏着黑暗的悲剧内核。
《摇摆电力公司》是主流音乐界很少见的一张具有爵士味道的专辑。它带有很复古的气质，这种复古来自于其对Big Band、Swing
Jazz的吸收，以及编曲中让人联想到80年代新浪潮的合成器音色，这些要素也分别对应了专辑名中的“摇摆”和“电力”，整张专辑听起来有股说不清道不明的年代感。从专辑第一首歌《一起跳舞吧》以融入Disco的新式摇摆乐，拉开这张具有戏剧性的舞会的幕布，让听者跟着摇摆起来。许哲珮在筹备专辑时进修了Jazz
Vocal，演唱时仿佛让人忘了她是一位流行歌手，而是一名正独自演出的爵士名伶，尤其在《秋天的落叶跳了一支摇摆舞》这首Bebop里展现得非常有韵味。
2009年张惠妹发行了突破自我的专辑《Amit》，六年之后又发布了续作《Amit2》，张惠妹在两张专辑里所构筑的“阿密特”形象，是一个不同于以往的大众印象中的自己、具有“摇滚”的标签的形象。尽管《Amit2》总体上依然是一张主流流行乐专辑，但《战之祭》《怪胎秀》中出现了凶狠的金属吉他Riff、808鼓机，乃至《战之祭》后半段近似于极端嗓的演绎，都在主流音乐中少见，在开头就奠定了黑色的狂野基调。之后的Alternative
Rock《冲突得很》、Reggae+电子的《牙买加的槟榔》、Punk《你想干什么》等作品，也都承接这股狂野劲头。
《Amit2》是一张颇为黑暗的专辑，专辑中词曲到演唱，不乏非常直白、甚至粗暴如“你根本犯贱”这样的表达，但它试图讨论的内容里不乏宏大的议题，如《怪胎秀》中的文化怪相和《母系社会》里家庭关系，嘲讽、荒诞、狂躁贯穿专辑中，这样兼具宏大感和黑暗感的作品个性，确实颇为少见。张惠妹的演绎兼具戏谑和力量，演绎出了一个在黑色的幕布下，时而颓废，时而血腥的阿密特。
11、苏打绿 - 冬 未了
苏打绿堪称从独立走向大众的典范乐队，优质的词曲、创意的编曲、兼具文艺气质和尖锐的批判、思辨精神，让他们的作品游走于大众小众的边界上。《冬 未了》是苏打绿“韦瓦第系列”的完结之作，在专辑概念和完整性的打造上，绿团简直严苛到了偏执狂的程度。整张专辑以冬日的肃杀气氛为基调，将对神话传说、历史事件、社会现实的思考和感悟，以Symphonic
Rock的形式进行呈现，并且邀请了德国柏林交响乐团进行管弦乐演奏。
将大编制管弦乐与电声乐队的结合是一件非常具有挑战性的事，稍有不慎就可能出现频段打架等问题，但在《冬 未了》这张专辑里并未犯这些硬伤，做出了质量合格的大编制管弦，也让管弦和电声都各自获得了足够的表现空间。不同歌曲之间配器特征（管弦、电声占比）有规律的变化，也让整张专辑在开头的震撼后依旧能感受到张弛有度、过渡自然。Disc2的《冬之颂》钢琴协奏曲亦让这张专辑更具古典的严肃、深刻。
苏打绿词曲水平一直是在线的，《未了》作曲的频繁调式切换、《他举起右手点名》以语言描写完成全词，都是华语地区少见的。
方大同算是华语主流乐坛较为异类的存在，他连同他的音乐有着很深的西方文化背景，曲风多为自己擅长的R&B/Soul。方大同出道多年在编曲上不断精进深入，第九张专辑《JTW西游记》，被许多人认为是其生涯的集大成之作。从Blues、Hip Hop、Rock乃至中国民族音乐中汲取能为自己所用的元素。
《JTW西游记》专辑封面对称地分成两个部分，分别对应专辑中“Black”“Gold”两张碟——Black相对来说更潮流化，吸收了较多电子乐和Hip Hop元素，譬如大段Rap配合鼓机的《Flow》、颇受K-Pop影响的《味道》、Alternative
R&B曲风的《NMW》；Gold则倾向于Funk、Soul，稍显复古，还包含了Disco的《很不低调》，这一部分也更贴近乐迷一般印象里的方大同。
在这张节奏律动所主导的专辑里，还有着非常豪华的Feature阵容，除了同属华语乐坛的歌手王力宏、张靓颖、王诗安，乃至内蒙古的民谣金属乐队杭盖，还有英国的FiFi Rong、韩国的Zion.T、Crush。这些种种，构成了一部西行漫记，展示了亚洲人对西方流行音乐的探索。
13、郭顶 - 飞行器的执行周期
这是大陆主流乐坛在2010年代最拿得出手的一张专辑，也是由主流歌手做出的一张非常具有独立音乐气质的专辑。以R&B创作才子这一形象出道的郭顶，在距离前一张专辑七年后做出了一张以Indie Rock为主要风格的专辑，同时也包含了许多对60年代英美摇滚乐的致敬——大量汲取Psychodelic Rock/Space
Rock的元素用于作品，使用Blues的音阶和吉他演奏加强作品根源性，甚至还有Singer-Songwriter式曲风的《想着你》。整张专辑概念完整、质量优秀，具有复古的质感、太空科幻的色彩。
引用我在另一篇文章里写过的话：
在这个华语乐坛主流平台充斥着流量明星、独立小众音乐百花齐放却少有跻身大众视野的时代，郭顶的《飞行器的执行周期》是一张难能可贵的专辑。它的发行依托于环球唱片这样的大公司，音乐形式却不主流路线。
不过尽管如此，它的另类程度却远远都称不上让大众难以接受，我们赞叹着《凄美地》《落地之前》《把你的外套留在深巷》的音乐性同时，又有多少主流听众能抗拒《水星记》《想着你》《保留》中美妙的旋律和感人的歌词呢？
郑宜农最好的一张专辑。比起她第一张专辑——小清新文艺的Indie Pop《海王星》，这张律动化、电气化的《Pluto》要不拘一格得多。整张专辑有一股非常迷人的中性气质，展现出女性柔软包裹下的坚韧一面，甚至整张专辑还邀请了许多女性艺人如张悬、卢凯彤等人参与以强调出这个主题。
这是一张制作得极具空间感的专辑，从专辑的第一首歌《太空垃圾之死》，由重复的节奏和效果器的回音，把听者就引入到太空般的氛围当中。接下来这张专辑里不时冒出令人感到眼前一亮的元素，跳动的鼓点、新奇的音效，甚至还有《云端漫舞》郑宜农的Rap、《温州街五巷》的Jazz，都充满惊喜感。《Pluto》的整体性非常优秀，在电子流行乐的框架内结合摇滚、爵士、R&B、说唱等元素，带人走入光怪陆离的世界中，而郑宜农的声音也并未被迷幻眩晕的氛围所掩盖，你能轻易地捕捉到郑宜农柔和的颤音和气声。
【PS：见上文谢安琪《KONTINUE》的部分……】
15、陈珊妮 - 战神卡尔迪亚
陈珊妮或许是我知道的女性唱作人里音乐风格涉猎最广泛的一个了，尽管她是一位主流唱作人，但他的音乐却少有主流音乐容易陷入的口水感，反而对Punk、Indie Rock、Flamenco、Disco、Electronic Dance Music均有涉猎，甚至还曾和Math
Rock乐队大象体操合作过。10年代的陈珊妮以锐意探索的态度，每两年贡献出一张专辑，其中我认为最优秀的就是这张2017年的《战神卡尔迪亚》。
《战神卡尔迪亚》这张专辑更像一张Indie Rock和Electronic Dance Music相交融的专辑，部分片段甚至带有民谣朴素的叙事感。吉他和鼓机是支撑、贯穿其这张专辑的要素，这使得这张专辑在有所致敬、用典的同时，也吸收了一些新潮的元素，最典型的是同名曲《战神卡尔迪亚》致敬Bob Dylan《Like a Rolling
Stone》的同时，808鼓机演绎黑人音乐式的节奏和Four on the Floor节奏型交替出现。这张专辑多处令人意外的编曲方式——《乱码》将无明显处理的原声吉他和808鼓机的结合，《不要不要》中反拍节奏搭配Hybrid Trap，都让人很难想象出自于一个四十多岁的制作人之手。
《战神卡尔迪亚》是一张以举重若轻的姿态，记录时代现象、写给当下青年人的专辑，电子的部分仿佛暗喻着这个时代的信息化，摇滚则更能体现个人的内心情绪。
新人王诗安加盟方大同自立厂牌“赋音乐”后的开山之作。近年的华语乐坛不乏打着“中西合璧”的旗号，却流于表面、平庸至极的音乐，同样追求东西方混搭的《诗》要精致得多。这得益于王诗安来自东方的音乐世家，深受戏曲和诗歌的熏陶，同时又具有对R&B的娴熟驾驭，以及方大同等人对这张专辑的加盟。
R&B为主要风格，有着很西方、很明快的节奏和新潮感，而相比黑人厚实的嗓音，王诗安的音色圆润轻盈，唱腔灵活自在，她更能把转音唱出东方的感觉，与入曲的诗词相得益彰。即使是唱方大同为其作曲的《一步成诗》，也并没有方大同那么明显的西化味道，有着她自己的个人风格，听起来更婉约清丽，更别提她自己参与创作的松弛柔软的《徕卡味》、绵长的《望江亭》了。最令人拍案叫绝的是《明天》，大胆地把戏曲、民乐、Alternative
R&B结合在一起，丝毫不显脱节。
整张专辑惊喜连连，对中国元素的运用绝非堆砌中国乐器，而是在旋律、唱腔中体现的审美展现东方感，适时的民乐点缀一下即可。
17、徐佳莹 - 心里学
我个人私心认为徐佳莹是华语地区能把“旋律”写得最优美的两位女性Songwriter之一（另一位是陈小霞）。《心里学》这张专辑以讲述失败感情经历的《言不由衷》开始，每首歌都刻画了一个特定的“心里”，所有曲目构成了一部女生的成长史，这点也让我想到Lorde的《Melodrama》。这张专辑里徐佳莹包办了大部分歌曲的作曲，除了很优质的抒情之外，徐佳莹也在这张扩展了自己的音乐风格，也相比从前的作品更多地展现了自己冷色调的一面，有股成长后的哀而不伤。
除了传统的抒情曲，你还能在这张专辑里找到律动性强的R&B、Disco、Jazz、Trip-Hop、House等曲风。优秀的旋律之外，《灰色》的特殊歌曲结构、《到此为止》的频繁离调、《儿歌》里颇具古典色彩的旋律小调音阶，都让这张以“情感”这种泛滥的话题为主要内容的专辑，有了精致、毫不落俗的听感。此外徐佳莹作为一个以细腻处理见长的演唱者，以恰到好处的咬字，以及适时运用的假声、气声，让自身的嗓音带着极为温柔的感染力。整张专辑简直有如关于“成长”的一部高潮迭起的舞台剧。
18、林俊杰 - 伟大的渺小
由华语乐坛东南亚地区的唱作人的标杆人物林俊杰，贡献出的一张旋律写作、演唱、制作水平均达到高水平的专辑。正如专辑名《伟大的渺小》，这张专辑的词曲，以渺小个体的内心世界作为主题，而恢弘的编曲和通透的演唱赋予了它磅礴之势。
林俊杰往期专辑里，多依靠副歌旋律吸引人，而这张专辑里编曲更加丰富和细致，吸引人的点可以是《圣所》的颇为Electro的合成器Riff，《伟大的渺小》里合成音色烘托的钢琴Loop，《四点四十四》带着Big
Beat风格的重鼓点和失真的合成器，《我继续》中陡然出现的世界音乐元素，而这些丰富的元素并未造成刻意堆砌的感觉，反而糅合地非常妥帖也加强了主题表达。此外，这是一张动态很大的专辑，多首歌曲的主歌都处理得较为轻、柔，又以大动态很好地衬托了林俊杰超过两个半八度的演唱音域所带来的直观震撼。
在《伟大的渺小》里，林俊杰展示了从压抑孤独，到自我救赎解脱的心理过程，更加明晰的展示了自己的艺术人格形象。
19、艾怡良 - 垂直活着，水平留恋着
艾怡良在仅仅出到第三张专辑《说 艾怡良》的次年，就斩获了金曲歌后的奖项，这是个傲人的成绩。而这张《垂直或者，水平留恋着》则将艾怡良作为优秀的词曲作者属性彻底地激活。陈建骐担任制作人，艾怡良独自完成十首歌的词曲创作，在旋律写作、风格多元、歌曲选题上都达到了她前三张专辑未有的高度和深度，也是同年龄段的女歌手少有的高度。
这张专辑兼容了电气化、和黑人音乐化的两种倾向。开篇Electro Pop的《玻璃心》《灭了我》，融入Reggae元素和电子乐的《十四号登机门》、House《讨厌的艾瑞斯》、氛围化的《美术课》都以电子赋予了很现代的气息；另一面，《一整夜》中的转音、即兴，《莱特兄弟有罪》中Soul的唱腔和节奏甚至有一点Aretha
Franklin的神韵。整张专辑里，艾怡良肆意挥洒着灵感，除了这些小众曲风带来的新奇听感，当然还有《Forever Young》这样以钢琴管弦衬托、旋律美到极致的抒情作品。
《垂直活着，水平留恋着》是一张以表面轻松的姿态表达很沉重的内容的专辑，整张专辑包含了很多颓废、厌世的情绪，不乏对死亡的讨论，“水平留恋着”即是指死者躺下后的状态。
尽管我一开始说了要尽可能地让我精选的专辑来自不同的歌手，但我仍然将林忆莲在10年代的两张专辑都列入了我的20张精选。《0》也依然是常石磊操刀制作。延续了《盖亚》的音乐团队不得不说常石磊和林忆莲都是在自己的专长上达到了业内顶尖的存在，而且并不迎合商业的意识，也促生了特别的作品。
如果《盖亚》是以宏大视角讲述世界，《0》则是在去繁从简地探讨自我。相应地，《0》这张专辑除了《沙文》和《归零》是节奏较为强硬的Alternative Rock，在专辑中间让听感短暂地炸裂开，其他歌曲都用Ambient、New Age、Dream Pop、Trip-Hop、Chill-Out等较为软的音乐元素烘托起较为柔软迷离的氛围。从只有一架钢琴编曲的《Breathe
in…breathe out》开始，回到相同旋律但是用大编制管弦乐编曲、中文填词的《一呼…一吸》，静谧的开头，升华的结尾，《0》的概念完成度和专辑整体性做到了少有的极高水平。
“0”，是一无所有，也是新生的孕育，承载着无限的可能。
