劲爆上太空旋律dj阿毛remix2009合成，最后一首什么旋律歌曲有那位大神知道？

来源：蜘蛛抓取(WebSpider) 时间：2022-05-09 15:45 标签： dj精彩阿浩

（内有36张专的推荐曲目）

10、失落的科幻世界，冰冷合成器与细腻人声的交织——

凭借EP《折叠痕迹Folding Traces》，电子音乐人马海平MHP获得了“上海Techno之子”的美誉。而这一次马海平的全长专辑《遗落边境Lost Frontier》，延续了《折叠痕迹》的科幻色彩的同时，有着更加细腻的制作，也比前作更加具有“人的气息”，用更多的人声和爵士管乐注入了丰富的情感，与电子乐相辉映。

和朱婧汐那张《塑胶天堂》不一样，《塑胶天堂》是依然算是电子乐包裹的主流流行乐，而在《遗落边境》里则称得上是大量使用人声和原声乐器的电子乐专辑——这二者人声篇幅占比、运用方式、在混音时的思路这些方面有着很大区别，如专辑中与雷雨心合作的《血梦》，分别在雷雨心的EP《8 1/2八部半》和专辑《遗落边境》中收录了中文版和英文版，但相对来说后一版本混音更突出了作品的Trip-hop特征。

Techno在马海平的手中，不再只是底特律Techno那样机械冰冷，而更具呼吸感。《迷失国》是马海平标志性的Techno作品，带有Jazz/Funk的元素。在Techno具机械感的律动中，人声素材在其中被解构重组，塑造出亦真亦幻的感觉。

马海平的作品不只是Techno。这专专辑还有IDM《我是真实》、Trip-hop《血梦》、House《今夜世界终止！》、电子摇滚《消失的国王》等，展示了马海平作品的多元化，但这些曲风都能在整张专辑里保持很不错的统一度，也兼具马海平的个人风格。此外我尤其喜欢《最后的地球人The Last of human》，这首朱婧汐参与词曲创作和演唱的歌曲里，马海平采样了J.S.Bach《Cello

《遗落边境》是一张优秀的概念专辑，其独特的音色和旋律让它听起来流畅又具有深邃、孤独的色彩。在其制作水准征服诸多电子音乐人的同时，也能作为一张“友好”的专辑它也能获得许多尚不了解电子音乐的乐迷欣赏。这种风格的作品在中国是独一无二的。

Disk01是专辑中9首正式曲目。专辑Disk02部分，收录了诸多不同制作人的Remix版本歌曲，这个是Club文化下欧美音乐很常见的做法，是制作人为Club里的DJ提供的适合跳舞的版本。这点对于很多乐迷来说不一定了解，但实际上是一种常见现象。

【PS：这张专辑封面我喜欢不起来啊……说真的老是用宏大的星空，再配上一个广阔无人的地貌……我真的审美疲劳啊这……】

9、用无词的音乐再现清晰而美好的瞬间——

  • 出版者: 环球音乐 x 十一音乐

顾忠山算是目前全中国最具影响力的爵士音乐家、吉他手、教育家之一，1997年他企划了顾忠山三重奏（The Lawrence Ku Trio），目前的成员由队长顾忠山、毛里求斯的贝斯手Fred Grenade、澳大利亚的鼓手Nicholas McBride组成。这张Jazz Fusion《清晰》，是一张Jazz、Funk、Rock相融合的一部作品。

如顾忠山本人所言：“2020年，感觉整个世界都陷入了负能量的漩涡。……在我的生活或是整个世界最低潮的时期，音乐让我的身心灵在负面的阴霾中感觉逐渐清晰……对我来说，这张专辑的意义，就是庆祝这些清晰美好的瞬间……”对我来说，《清晰》是一张颇具能量的作品，如《送行》中排山倒海之势的吉他、《迈克尔梦见迪斯科》里的Disco节奏与爵士吉他组合的奇妙动感、同名曲《清晰》里温暖圆润的音色伴随着私语一般的即兴乐句，都让我在听过后无法忘记。

推荐曲目：《送行》《未选之路》《迈克尔梦见迪斯科》《清晰》

8、写给当下的说唱悼亡诗——

这是2020年年底最期待的一张说唱专辑，成品发行出来让我颇感意外，算得上是国内少有的Alternative Rap（另类说唱）专辑。1996年出生的YoungQueenz，我认为称得上是香港地区最集才华与年轻于一身的说唱歌手了，19岁的时候创作出《异常火曜日》这张我认为称得上华语区最好的Boombap专辑之一的作品，《龙寨EP》又转向Trap和Emo Rap也广受好评，而这张《神隐》也让我震惊于他在音乐上开拓版图的速度和野心。

如果剥离开歌曲中的Rap人声，由法国制作人HYKE制作的编曲可以当做氛围音乐来听，多首interlude都具有很强的虚幻、不真实感。鼓组编写相对不规律，有时引入了一些东方打击乐器，初听起来可能觉得不像Hip Hop的节奏型。全专没有出现较为尖锐的音色，整体基调非常“冷”，呈现了宗教般的肃穆感。对于电子乐来说这种编曲大概不算新颖，但在中文说唱界似乎没有先例；扩大范围的话，能想到的比较近的案例就一个Tyler,The Creator的《IGOR》。

YoungQueenz依然延续了以前作品中热衷于表达的主题——《神隐》围绕爱、造物主和受造物展开，以东方美学和西方神话以及宗教作基调，在专辑中构筑了一个“神”的意象，在肃穆的氛围当中，探讨当代社会中人的欲望和痛苦。带着强烈情绪（甚至近似Emo）的Rap和虚幻朦胧的氛围对比让这张专辑更显张力。他的粗粝的音色极具辨识度，尽管他在这张专辑没有大玩特玩Flow，但人声运用的熟练以及大量留白，让他的声音成为了氛围的一部分。

这种形式和表达，对于能写出“香港地小人多”的YoungQueenz来说，与其现实生活环境中目睹的冲突与撕裂密不可分，YoungQueenz试图将其诉诸于“神”。专辑中《肋骨》《蛇果》等也都借用《圣经》的神话中经典意象。《幽灵!幽灵!》中经过Beat Switch，对YoungQueenz人声进行失真处理，运用方式酷似Kanye West，配上带延迟的女声，把整专情绪带到了极高处，呈现的混乱不安感也与一些解构实验电子乐不谋而合，YoungQueenz以带着惊恐的音调呼喊出“上帝在隐藏”也点出了专辑名“神隐”。最后以一首词作直击人心的《告白》作为结尾，但专辑所探讨的话题也依然没有做出终结，在打破幻想、回归现实中落幕。

概念、制作、氛围、表达都有着不错完成度乃至少许实验性的《神隐》，其东方神秘色彩也让我联想到60年代的嬉皮士（尽管音乐形式完全不同，但有些异曲同工）。也许它离真正的神作还有着不小的差距，其所探讨的内容也没有得到解答。但这张专辑依然是很值得一听的作品，它向我们展示了中文说唱在制作层面和表达层面的更多值得尝试可能性。

推荐曲目：《蛇果》《幽灵!幽灵!》《彼岸花》《告白》

7、记录成长与感动的声音相簿——

韦礼安作为一个主流歌手，作品封面却很少像其他主流歌手那样，突出强调歌手的个人形象——五张专辑里没有一张封面是有韦礼安本人的（韦礼安的照片不能算），这是个罕见现象，而且他的每张封面也都总是给人Indie Pop（独立流行）一样的简约、大方气质。《Sounds of My Life》也是如此，它有着主流音乐的优质制作和流畅、抒情的旋律，也有着非常强的个人意识的表达。

为了凸显出专辑主题，韦礼安大量运用了采样，运用各种对话、环境音效复现出生活的场景——《See You Monday》中老师和同学们在放学时的对话、《房客》中发生在老家的对话、《猫咪共和国》的猫叫声……以平凡普通、相对具体的场景，构成一部写实的“声音相簿”。整张《Sounds of My Life》就刻画了韦礼安的成长、“变得更好”的过程。

《Sounds of My Life》整体的风格以Contemporary R&B、Pop/Ballad、Pop Rock为主，并且还邀请了方大同的班底参与制作。这张专辑中的编曲不乏亮点，比如《一口一口》里极具Blues色彩的吉他、《没有你的世界》里用木鱼代替Snare搭配调性色彩模糊的和弦塑造悲痛与释然交替的听感、《Brand New》中教科书般的贝斯编写经常示范。

全专最佳《而立》，这首描写韦礼安跨入而立之年的心境的歌曲，创作时间长达三年之久，旋律写作上都非常考究，还带有爵士和声的丰富色彩，词曲高度契合。这首综合技术高度和情感表达的到位来看，我甚至觉得能算韦礼安生涯最佳歌曲。

即使这张专辑撇开作曲编曲技术之高和制作之精良，也是2020年最打动我的一张专辑。

【PS：《Sound of My Life》的专辑封面是我眼中2020年华语专辑最佳封面之一。】

推荐曲目：《房客》《没有你的世界》《而立》《Brand New》

6、绚丽而癫狂的太空梦境——

2020年中国冒出了两支新的前卫/艺术摇滚乐队发专，一支是飞椒，另一个是荒事。听飞椒《洄想集》的时候我的确感受到他们在和声编排、篇幅结构、节奏型变化上做了蛮多的尝试，但遗憾的是我觉得这张却有点像是“习作”——有着比较强的段落拼接感。晚一些的荒事乐队《坏螺丝》相对来说，让我感受到了更多新奇的同时，也具有很不错的整体感、连贯。

平均年龄在30岁左右的荒事，其乐队配置就我所知是相对很少见的——五人乐队里有男女主唱各一，鼓手有两名（很多时候是架子鼓+电鼓）。与配置相挂钩的，荒事的打击乐是这张专辑里最能令我亢奋的部分，具有很强的密实感，这点尤其在专辑中《骷髅舞》这样带一点后朋和迷幻意味的舞曲里，展现得很淋漓尽致。此外键盘部分尤其精彩，除了合成器对意境的塑造，还有《太空牛仔》开头的钢琴织体、《天空道场》调式互换这些也隐约能展示出键盘手的古典乐功底，让荒事相比国内其他带前卫摇滚倾向的乐队显得更精致了些。8首歌各具特色，没有复制感。

《坏螺丝》的审美气质带有比较强的太空科幻色彩，这点在中国已有先例（比如郭顶的《飞行器的执行周期》和音墟《300，000》），现在也还算新鲜，相较下荒事作品更Dancable、更具恢弘感配器结构和对时事的思考让他们显得更具特色一些。个人感觉遗憾的是人声部分相对于气场宏大的编曲来说显得较为单薄，比如《太空牛仔》的激昂处人声有被压住的感觉。

推荐曲目：《太空牛仔》《天空道场》《骷髅舞》

5、唱人间的烟火与土地，写给乡土食物的客家民谣——

林生祥的“我庄三部曲”的第三章。在《我庄》和《围庄》之后，《野莲出庄》为这个系列做了一个结束。

前作《围庄》较为激烈地探讨了“现代化”造成的环境污染对乡土的侵蚀；《野莲出庄》则温和了很多，以“乡土食物”作为主要意象展开，但你仔细看钟永丰所写的歌词，以食物“起兴”，仍然在思索着现代社会对乡土的影响，朴实的词句亦如《诗经·国风》那样凝练且动人。

同名曲《野莲出庄》则叙述了美浓当地在烟草种植业衰落后，当地的居民发掘了野莲的价值，通过奋斗发展出强大的野莲种植业。歌词重点也不在讲野莲本身，而重点地叙述期间当地人的越南亲家前来帮工，结果被移民署惩处的事件，再一次刻画了乡土和现代文明的冲突。野莲也像乡土的人，外表平实却有着顽强的生命力。其他曲目同样也都具有深层的人文含义，诸如人口流动、游子思乡、农村空心化等现实存在的现象。

剥离开专辑的内容表达，窥探其音乐性，同样是值得反复品味的。这专里明显摇滚元素少了，全专最喧闹的《野莲出庄》放在前作《围庄》里也显得不怎么激烈，民谣底色更浓且旋律性更强。比较摇滚的部分——《打乌子》《野莲出庄》，具有令人舒适的律动感，配上林生祥较为柔和的演唱，也都显得具有乡土的安详美。唢呐这一种具有北方壮阔气场的乐器，在这张台湾专辑里也吹得很有刚柔并济的烟火气息，尤其在《豆腐牯》《打乌子》里展现得极具吸引力。《大封》带点夏威夷气息的电吉他、《对面乌》流动的钢琴、《打乌子》的恰恰节奏，在印象里林生祥的作品中不常见，让我稍意外了一下。

为乡土的菜肴写歌立传，不仅仅是记录食物那么简单，它包含着珍贵的文化认同，记录着主流视野之外边缘群体。

推荐曲目：《面帕粄》《豆腐牯》《斛菜冇筒梗》《对面乌》《野莲出庄》

4、实验电子乐与中国武侠的碰撞——

2020年里的李化迪老师发布了《事件，事实（和其中被强调的一些）》、《某种武器》这两张专辑，都称得上是很杰出的作品，权衡后，我选择了相对通俗一点、听觉刺激更直接、具东方风韵的《某种武器》。

从《木屮山出》开始，到《天地不仁》，再到去年的《某种武器》，李化迪一直把电子音乐与中国符号进行贴合（个人认为实际不应该只是中国符号，说成泛亚洲风也未尝不可），且一直在拓宽风格的边界。除了使用东方的民族乐器、戏曲和民歌，还有Blues、非洲民歌、IDM这些与东方看起来相不着调的事物，也能成为李化迪运用的素材，在其手中被赋予新的场景和含义。

《某种武器》的灵感来源于古龙的《七种武器》，但并未沿用古龙的原本设定，而是又虚构了七个名字。在东方武侠的整体基调下，尝试了许多人无法想象到的拼贴方式。《无由颂》里Trap的鼓组和低音，与藏族圣歌搭配，具有狂野的恢弘气场；《蜿蜒风》里李化迪用了他作品中并不常见的4/4拍舞曲的节奏型，让人起舞的节奏上不时具有带异域色彩的打击乐器进行加花，开头的爵士和弦和之后的人声采样上颇具亮点；《反折竹》的碎拍鼓点上，笙的音色注入了锋利的金属质感……

七首作品，打磨出了一具具具有神秘色彩和东方异域气息的“音乐武器”。《某种武器》也是在探寻着“某种边界”——“电子+东方”的模式所能容纳的极限到底能到哪里？我们确实难以预料到接下来李化迪又能运用哪些素材做出什么样的作品。

推荐曲目：《无由颂》《蜿蜒风》《干涸流》

3、民族与世界、科技与禅意、古典与当代，在笙音中追求大道——

  • 出版者: 智慧小狗 × 索尼音乐
  • 曲目数：9（8首正式曲目+1首伴奏）

笙除了有不低的音域，还是为数不多具有和声的功能的吹奏乐器之一，甚至能奏出比琵琶、月琴等弹拨乐器的和弦更复杂的和弦。在《极》里，除了有笙的独奏曲目，还有与其他国家的民族音乐、古典音乐，甚至是电子舞曲碰撞的火花。《极》所表现出来的探索意识和元素融合，让它本身已经超越了一般的世界音乐专辑。

点题之作《极》是一部World Fusion作品，有着较强的西域色彩，展示了笙与现代电声乐队配合。独奏作品《如影》里，笙繁多的演奏技法展现得也非常彻底。

Music相结合的作品。其中《承云》在部分段落中融合了House，而《大道行》结合了Trance。在这两首电子乐作品都在笙的复杂的乐器表现力和电子舞曲的规整律动感间取得了不错的平衡，尤其《大道行》，大量使用吐音（很多双吐），制造出了一些近似于加入了LFO（振荡器）的听感，笙成为结构铺排中衔接段落的重要纽带同时，具有金属质感的音色也契合于电子舞曲的氛围和律动。

《檐头雨》《光明想》取材自佛教。《檐头雨》相当于弦乐四重奏的第一小提琴声部替换为笙，其中笙的音色近似双簧管，又比双簧管多了一分劲道。长达十分钟的《光明想》是由中国乐器笙，与印度的打击乐器塔布拉所合奏的作品，包含了大量的节拍变化，除了4/4和自由节拍，还出现了7/8拍的段落，在快速的乐曲中包含了如此复杂的节拍变化，乐曲的进行也似乎完全没有滞留、阻塞的感觉，反而有密集的音符一泻千里的畅快，全曲极具戏剧起伏。

除了自己创作的曲目，吴彤翻奏了J.S.Bach的作品《G弦上的咏叹调》，改编的版本发挥了笙的多声部，细腻的声部编排也让我揣测，他所尝试了对管风琴进行模仿。最后歌曲《莲花处处生》作为结尾让听者的听觉神经脱离了紧张感，传达吴彤对疫情中众生的祝愿。

《极》，在曲风广度、内容深度上都值得反复推敲，它涵盖了古今中外，刻画了宏大的世界和微小的个体，无论是技艺上的探索和实验，还是极具艺术家思考的内容表达，都达到了一个极高的高度，堪称是吴彤在音乐上达到的又一新高峰。

推荐曲目：《极》《如影》《光明想》《大道行》

2、电气与女声围绕的深邃光影世界——

  • 出版者: 北京有此山文化传媒有限公司

年末的惊喜，这张专辑整体气质文艺、复古，人声还具有一些中国Lana Del Rey的感觉——Del Rey唱的是美国上个世纪的幻梦，而陈婧霏唱的上世纪香港电影式的故事。陈婧霏大概就是文艺女青年的典型，作品充满着浪漫色彩。

专辑刚出来的时候，我就很意外——这已是2020年，怎么还有歌手会使用这么显得“老气”的封面（甚至还有故意做旧的痕迹）？如果不是封面上明明白白地写着“二〇二〇年十二月上映”，这张专辑混到一群90年代的华语流行专辑里也毫无违和感，但这也确实彰显了“复古”主题。对陈婧霏来说，“复古”不仅仅是做旧，更重要的是，对文化场景进行追根溯源。

《陈婧霏》这张专辑可以让人展开很多联想，具有天涯歌女般的百转柔肠，也引入了一些具有现代感的音乐元素如Alternative R&B、Trip-Hop等等，这张专辑也元素繁多无法完全归类。此外值得一说的是陈婧霏的声音表现力，大多独立唱作人的演唱属于短板，但陈婧霏在录音室里却有着很不错的演唱展现，时而深沉时而极具魅惑感，有很多朋友说有些像王菲，但相比王菲，陈婧霏声音里有着厚重的低频，这更让我感到稀有、具辨识度。我个人尤其喜欢《消亡史》《舞舞舞》中的R&B味道，陈婧霏的演唱展现了很“松弛”的感觉，把另类R&B的柔软展现得非常到位。

除去编曲中的元素繁多和华丽，以及演唱的可圈可点。这张以人声为主导的专辑，依然展示了不错的主旋律和和弦写作，《消亡史》副歌时陡然的小调转大调让我眼前一亮，《深蓝》副歌的和弦、旋律里的离调有让我不经意联想到了郭顶的《水星记》。

《陈婧霏》像是一部轻松的小品集，这点在具有独立范儿的女唱作人里似乎比较常见。整张专辑没有沉重深刻的话题，也没有宏大的感叹，只有朦胧的“小”，这是许多青年都有的小浪漫感怀。

推荐曲目：《夏宫》《消亡史》《深蓝》《人间指南》《生活在别处》

1、文明世界里的电子荒原上，歌唱着人心迷失的摇滚乐——

万能青年旅店《冀西南林路行》

对于万青在中国摇滚界的名声，我想无需我多言。

Rock、Jazz印记，这种倾向其实早在第一张专辑里就展露出了苗头，听《在这颗行星的所有酒馆》末段具有即兴感、实验性的演奏就能有所察觉。在演奏技术、作品音乐性和风格独特性达到一个极高高度的同时，万青得以广泛地传播，也离不开其极为强烈的人文属性，他们所表达的一切，都是扎根于中国的那个被雾霾所笼罩的华北平原，写的是那些身上负担着时代抖落的灰的渺小人物。

整张专辑采用了前卫摇滚的套曲形式，可以分成四个部分——《早》到《采石》为第一部分，《山雀》《绕越》为第二部分，结尾两首篇幅长《河北墨麒麟》和《郊眠寺》的可以各视为一个部分。同时文智涌、小河等中国音乐界的优秀人才也加盟了这张专辑，《冀西南林路行》有着更丰满的编制。

第一部分最能体现万青Blues的底色。《泥河》全曲在6/8和4/4两组节拍的切换，具有Shuffle的律动感；《采石》结尾的萨克斯和钢琴爵士即兴把全专带到了一个高潮，并辅以大量的硬件噪音制造渲染出冀西南林路上“采石”的喧闹场面，显得火光四射。个人认为万青的鼓相比其他乐器，是他们最不出彩乃至称得上短板的部分，但《采石》末尾部分鼓有了为数不多的精彩表现。爆裂般的音效中，《采石》落下帷幕，强烈嘈杂的刺激，一如城市化对小人物生活的侵蚀。

第二部分贡献出了全专最具旋律性的《山雀》，它最能反映万青旋律创作相较于大多国摇乐队的优势，尽管和声方面依然四平八稳，大量使用了万青常见的456、654等和弦走向（最经典的《杀死那个石家庄人》就是通篇456），旋律也只是8小节的来回重复，但大量的大起大伏、迂回缠绕的旋律极具线条感。同时《山雀》的体量很“轻”，尤其是经过了嘈杂至极的《采石》的衬托，似乎也暗合了“山雀”对被时代裹挟着的“小人物”的隐喻。随后接踵而至的《绕越》以狂躁的Fusion吉他，一如那“时代喧哗”的裹挟感。

第三部分《河北墨麒麟》则是全专最具前卫色彩的部分。整首歌包含Math、Prog的元素，使用了诸多节拍变化，前奏就是少见的5/8拍。在这首歌里出现了诸多木管和弦乐渲染出了史诗感的气氛，是一部极为优秀的叙事曲。

最后的《郊眠寺》则用了民谣的形式呈现，全用原声乐器而显得很平淡，尽管这首这种很民谣的音乐形式上，董亚千却唱着将世间百态冲突一一罗列、具有赛博朋克感的、将物质文明进步与人心迷失冲突写得非常尖锐的写实歌词。

有人说他们像King Crimson，尽管万青还离KC确实有着不小的差距（比如鼓、产量产率等），但他们的存在是可贵的，这样的音乐只会属于中国，其悲天悯人的东方气质和诗性，放眼望去，是绝无仅有的。2010年的“大厦崩塌”、2020年的“电子荒原”，万青总能发出最强有力的声音，敲打着这个时代的人。

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