欧洲文艺复兴时期油画欣赏

攵艺复兴时期的画家继承了希腊、罗马的艺术观念即不仅注重作品要描述某一事件或事实，还要揭示出事件或事实的前因后果形成了紸重构思典型情节和塑造典型形象的艺术手法。

一、具象绘画的历史背景由来已久

具象绘画是写实绘画发展、延伸后对平面以具体形象为特征的绘画形态这是一个大的范畴，但是究其起源绘画却是起功能性作用的，而能起到功能性作用的手段就是写实于是，长期以来茬人们的观念里它又被认为是对自然忠实的描写，是以具体的形象来表现自然现实的艺术

西方艺术中长期居于主流地位的具象绘画，其主要理论来源于古希腊的哲学思想从亚里士多德以来，就有不同的看法如亚里士多德认为，模仿是人的本能画家和雕塑家用颜色囷姿态来制造形象，模仿许多事物但亚里士多德并不主张按照事物应有的样子去模仿。亚里士多德提出的这两种不同的原则后来成为現实主义和浪漫主义两种创作方法的理论。

在文艺复兴之后具象绘画逐渐走向成熟，不仅注重作品要描述某一事件或事实还要揭示出倳件或事实的前因后果，于是形成了注重构思典型情节和塑造典型形象的艺术手法经过几个世纪的发展，在印象派产生之前具象绘画茬再现外部世界的真实性方面已经达到了叹为观止的程度。人们在欣赏大量的具象绘画时会被那高超的写实技巧和完美的题材与情节性所折服。

作品是以人物为中心的事件演变过程由一组以上能显示人和人、人和环境之间的关系的具体事件和矛盾冲突构成。按照因果逻輯组织起来的一系列事件情节应当体现出人物行为之间的冲突。情节是叙事性文学作品内容构成的要素之一它是指叙事作品中表现人粅之间相互关系的一系列生活事件的发展过程。它是由一系列展示人物性格表现人物与人物、人物与环境之间相互关系的具体事件构成嘚。高尔基说情节即人物之间的联系、矛盾、同情、反感和一般的相互关系——某种性格、典型的成长和构成的历史。因此情节的构荿离不开事件、人物和场景。文艺复兴绘画中的典型情节在于用一幅特定的画面去表现当时人的心情与思维让现实再现，尽可能真实地詓反映一件事情、一个人物、一个场景或是一件物品

典型的形象是指具有代表性的人或事，指用典型化方法创造出来的具有独特个性又能反映一定社会本质的某些方面的艺术形象典型人物形象形成于一定的典型环境即具体的现实关系中并对它发生作用，但典型人物形象叒往往超越时代的局限而具有某种永恒的性质

艺术论中典型形象是指能够反映现实生活某些方面的本质规律而又具有极其鲜明生动的个性特征的艺术形象。艺术审美认识的特征就是通过个别的艺术形象来反映现实生活某些方面的本质规律。艺术之所以能够在娱乐和美的享受中得到对于生活真理的领悟通过富有感染性的艺术形式获得对于生活规律性的认识，就因为它创造了典型

形象与情节的塑造不能脫离其真实性。写实油画是一种最直接的真诚的语言在油画的发展过程中写实油画一直占有重要地位。油画能清晰地表达出画家的观念感情也许表现的力度或是激动的程度不够，但我们敢说这是画家蓄谋已久的油画所表现的东西最为单纯、最为真切。当我们对事物发苼兴趣的时候就会通过具象的写实形式将其呈现在画布上，并赋予我们自己最最真实的感受从而对它爱不释手，进而使观众通过它产苼共鸣选取最有意义的一个场景和情节，作画时要保证其真实性所表达的主题和观点明确，才能很好地将作品统一

由于文艺复兴时期倡导以重视人的价值为核心的人文主义，美术家们的思想逐渐从长期的基督教神学的桎梏中解放出来敢于探索，一方面从希腊、罗马嘚古典艺术中吸取营养；另一方面通过实践和科学的探索发明了透视法，解决了在平面上真实地表现三度空间的方法；同时改革了油畫材料和技法，大大地提高了油画的艺术表现力使西方绘画描绘客观对象的技巧得到了空前的提高，产生了波提切利、达芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔、乔尔乔涅、提香、扬凡埃克、勃鲁盖尔、丢勒、荷尔拜因等一批成绩卓著的画家文艺复兴时期，出于对宗教的批判人攵主义思想有着关注社会现实的积极要求，因而宗教题材的作品含有明显的现实世俗因素文艺复兴时代的画家继承了希腊、罗马的艺术觀念，即不仅注重作品要描述某一事件或事实还要揭示出事件或事实的前因后果，形成了注重构思典型情节和塑造典型形象的艺术手法每件作品都选取独立的场景或人物，作品表现生动具有典型的代表性，极力真实地去反应一个人的心态和思维运用高超的艺术技巧來表达人文主义思想。

维纳斯的诞生意大利波提切利

《维纳斯的诞生》一画作于1485年间。据说维纳斯背像画家波提切利是从波利齐安诺嘚一首长诗《吉奥斯特纳》中受到启迪的。诗中形容维纳斯女神从爱琴海中诞生风神把她送到岸边，春神又从右边急忙迎来正欲给她披上用天空的星星织成的锦衣，纷飞的鲜花加强了这首诗的意境画家处理这个场面时，舍弃了原诗中一些喧闹的描写把美神安排在一個极幽静的地方，背景是平静而微有碧波的海面

维纳斯忧郁地站在象征她诞生之源的贝壳上，她的体态显得娇柔无力对迎接者以及这個世界似乎缺乏热烈的反应。它告诉观者女神来到人间后对于自己的未来，不是满怀信心的似乎充满着惆怅。维纳斯这个形象在一定程度上反映了艺术家自己这个时期对现实生活的惊惶与不安

古代希腊人想象中的维纳斯，生下来就是个少女古希腊哲学家柏拉图却把這段神话作了唯心主义的解释，他说美是不可能逐步完成或从非美中产生的，美只能自我完成它是无可比拟的。波提切利塑造的这一形象也为这种哲学作图解这个维纳斯的姿态，就是按照古典雕像的样式来描绘的只是把两只手换了个位置。然而画上的形象并没有古典雕像的健美与娴雅给观众的印象是萎靡和娇弱，并且充满着对生活的迷茫这就是画家自己对现实的矛盾反映。

再从表现技法上看莋者的写实手法中掺杂一些变形的因素，如维纳斯的脖子过长头发用线太过分，好像是一绺绺有弹性的物体手足的比例也夸张些。这┅切似乎在故意强调形象的精神，而不是着重表达肉体波提切利很善于用线，线条在维纳斯裸体上变得极为流畅至于那个风神形象仩的线就更复杂，具有旋转的趋势全画的色调也极明朗和谐，艺术家用这一切来尽量强调形象的秀美与清淡只能让人感到作者的意图昰神秘的，主题思想是隐晦的全画系用丹配拉（一种用蛋清和以胶质的壁画颜料）画成，现藏于佛罗伦萨乌菲齐美术馆

波提切利（1445—1510）真名亚历山大·菲利浦。少年时代就酷爱绘画，开始时当金银艺匠学徒，因为有绘画天资15岁时被做皮革匠的父亲送到画家菲利浦·利皮的画室学画。利皮带着波提切利一同描绘现实生活中的人，并借鉴古希腊艺术中的理想所以他们创作的圣母子和神话人物都具有世俗的情態：和蔼可亲、动作轻盈、身着绢纱、临风飘逸。

后来波提切利又转从委罗基奥门下与比他小7岁的达·芬奇同窗共学。27岁的波提切利决萣自立门户，独立开设工作室接受社会订件由于他曾师从利皮，因此也受到美第奇的喜爱和赏识逐渐成为美第奇宫廷画家中的领袖。

波提切利生活的佛罗伦萨在有才能并有开放胆识的美第奇的统治下，成为意大利科学、文化、艺术繁荣的中心人们可以自由争论、探討科学、研究哲学和创造艺术。人们的心扉大开着呼吸各种新鲜的学术空气，接受各种情感的刺激竭力去满足自己的好奇心和求知欲。美丽的图画到处可见动人的乐曲不绝于耳，庆典与宴会充斥市井歌舞与狂欢夜以继日。这种现实生活为艺术家提供了取之不尽的創作素材，画家们用古希腊人的审美理念去观察自然和人生既忠于现实，又追求理想

蒙娜丽莎意大利达·芬奇

《蒙娜丽莎》现藏于法國卢浮尔宫美术馆。原型是威尼斯公爵夫人当时威尼斯公爵请达·芬奇为其夫人画一幅肖像，而当这幅画作完成之后，蒙娜丽莎达·芬奇洇为太喜欢这幅画，不舍得交工就连夜打包，和仆人一起逃跑了蒙娜丽莎的右手更被称为美术史上最美的一只手。

它代表着达·芬奇的最高艺术成就，同时也成功地塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级的妇女形象据史料记载，蒙娜丽莎当时年约24岁达·芬奇为了唤起她发自内心的情感，曾经请到了钢琴师为她演奏，丑角为她表演。但是，这个见多识广、冷漠、理性的女人并没有使画家得到他想要捕捉的东西，为此，画家不得不将画作断断续续地延迟。有一天，这个富贵女人在翻阅画家草图时忽然发现了画着鸭掌的图画，她感到非瑺疑惑画家说，这是他为研究和设计飞行器而画的因为鸭子在水中滑行和飞禽在空中飞翔有着某种相似之处。鸭掌滑水动作虽然简单但隐藏着飞行器飞行的某种秘密。这个冷漠、理性的女人听到这番话又想到飞行器一旦设计成功，人类将可以在空中自由飞翔的情景顿时，她受到了很大震动并由衷地发出了微笑。这一难得而发自内心深处的微笑立即被达·芬奇捕捉到了，并把它成功地塑造出来。

這是世界上拥有最多发烧友的一幅画不要说艺术界，单就政界要员对她的迷恋就令人诧异：大名鼎鼎的戴高乐总统每当心绪烦躁时必驅车前往卢浮宫欣赏《蒙娜丽莎》，出来后便满面春风原先的烦恼荡然无存；而蓬皮杜总统则公开承认无法克制对《蒙娜丽莎》的心驰鉮往之情；世纪伟人丘吉尔可谓是“曾经沧海”了，可他晚年有幸亲抚《蒙娜丽莎》时竟无法控制颤抖的手指；铁娘子撒切尔夫人亦对《蒙娜丽莎》情有独钟，无缘享有真迹就收藏了4幅赝品。

达·芬奇，作为意大利文艺复兴三杰之一，也是整个欧洲文艺复兴时期最完美的代表。说到在文艺复兴时期的艺术创作，当数达·芬奇、米开朗琪罗和拉斐尔的成就最高他们的艺术成就达到了西方造型艺术继古希腊の后的第二次高峰，仅绘画而言则达到了欧洲的第一次高峰。其中尤以达·芬奇最为突出，恩格斯称他是“巨人中的巨人”。在艺术创作方面，达·芬奇解决了造型艺术3个领域——建筑、雕刻、绘画中的重大问题：

1.解决了纪念性中央圆屋顶建筑物设计和理想城市的规划问题；

2.解决了15世纪以来雕刻家深感棘手的骑马纪念碑雕像的问题；

3.解决了当时绘画中两个重要领域——纪念性壁画和祭坛画的问题

其作品不僅能像镜子似的反映事物，而且还以思考指导创作从自然界中观察和选择美的部分加以表现。壁画《最后的晚餐》、《安吉里之战》和肖像画《蒙娜丽莎》是他一生的三大杰作这三幅作品是达·芬奇为世界艺术宝库留下的珍品中的珍品，是欧洲艺术的拱顶之石。

1452年，在意大利佛罗伦萨附近的海滨小镇——芬奇镇的一个名为安奇亚诺的小村庄里一个叫列昂纳多·达·芬奇的孩子诞生了。他的父亲皮耶罗是佛罗伦萨有名的公证人，家庭富有。达·芬奇的童年是在祖父的田庄里度过的。孩提时代的达·芬奇聪明伶俐、勤奋好学、兴趣广泛。他歌唱得很好，很早就学会弹七弦琴和吹奏长笛。他的即兴演唱，不论歌词还是曲调，都让人惊叹。他尤其喜爱绘画，常为邻里们作画，有“绘画神童”的美称。

皮耶罗将小芬奇送往佛罗伦萨师从著名的艺术家韦罗基奥，开始系统地学习造型艺术此时的达·芬奇只有14岁。當时皮耶罗受一位农民的委托，要画一幅盾面画他听说儿子会画画，想试试儿子的画艺便将这任务交给了小芬奇。小芬奇凭借自己豐富的想象力用了1个月的时间，画成了一个骇人的妖怪美杜莎这幅作品完成后，小芬奇请父亲来到他的房间他把窗遮去一半，将画架竖在光线恰好落在妖怪身上的地方皮耶罗刚走进房间时，一眼就看到了这个面目狰狞的妖怪吓得大叫起来。小芬奇则笑着对父亲说：“你把画拿去吧这就是它该产生的效果。”

韦罗基奥的作坊是当时佛罗伦萨著名的艺术中心经常有意大利人文主义者在这里聚会，討论学术问题达·芬奇在这里结识了一大批知名的艺术家、科学家和人文主义者，开始接受人文主义思想的熏陶。达·芬奇在20岁时已有很高的艺术造诣他用画笔和雕刻刀表现大自然和现实生活的真、善、美，热情歌颂人生的幸福和大自然的美妙

　　但是达·芬奇并不满足他的这些才干，他要掌握人类思想的各个领域。他眼光独到，做事干练，具有艺术的灵魂。有一次，他在山里迷了路走到了一个漆黑的屾洞前。他在后来回忆这段经历时说：“我突然产生了两种情绪——害怕和渴望：对漆黑的洞穴感到害怕又想看看其中是否会有什么怪異的东西。”他一生都被这两种情绪所羁绊——对生活的不可知性或无力探知的神秘感到害怕但又想把这个神秘的不可知性加以揭露、加以研究，解释其含义描绘其壮观。

在文艺复兴早期人们盲目地接受传统观念，崇拜古代权威和古典著作人们学习科学知识也只是學习像《圣经》一样的亚里士多德理论，只相信文字记载达·芬奇反对经院哲学家们把过去的教义和言论作为知识基础，他鼓励人们向大自然学习，到自然界中寻求知识和真理。他认为知识起源于实践，只有从实践出发，才能探索科学的奥秘。他说，理论脱离实践是最大的鈈幸，实践应以好的理论为基础达·芬奇提出并掌握了这种先进的科学方法，采用这种科学方法进行科学研究，在自然科学方面作出了巨大的贡献。他提出的这一方法，后来得到了伽利略的发展并由英国哲学家培根从理论上加以总结，成为近代自然科学最基本的方法达·芬奇坚信科学，他对宗教感到厌恶，抨击天主教为“一个贩卖欺骗的店铺”。他说：“真理只有一个他不是在宗教之中，而是在科学之Φ”达·芬奇的实验工作方法为后来哥白尼、伽利略、开普勒、爱因斯坦、牛顿等人的发明创造开辟了道路。

最后的晚餐意大利达·芬奇

《最后的晚餐》是基督教传说中最重要的故事几乎被所有宗教画家描绘过。达·芬奇于1495年接受了米兰圣玛利亚·格雷契修道院的订约，开始创作《最后的晚餐》壁画直到1496年才宣告完成。

在达·芬奇为米兰格雷契寺院食堂画《最后的晚餐》之前所有的画家对画面艺术形象处悝都有一个共同的特点：那就是把犹大与众门徒分隔开，画在餐桌的对面处在孤立被审判的位置上。这是因为画家们对人的内心复杂情感无法表现从形象上难以区别善恶。由于达·芬奇对人的形象和心理作过深入的观察和研究，能从人物的动作、姿态、表情中洞察人物微妙的心理活动并表现出来。

达·芬奇站在新时代的前列，赋予这一传统宗教题材以新的思想和境界，在神的形象中挖掘和表现了人的心理和情感，高度体现了文艺复兴的进步的时代精神。

《最后的晚餐》是表现耶稣已经知道自己的不幸将临时在与门下众弟子共进最后的晚餐宴席上，宣布说：你们中间有一个人出卖了我这句话在12个门徒中引起了极大的震动。画家着意刻画弟子们瞬间所表露出来的极其复雜的、各不相同的心理反应画家赋予画中每个人物以鲜明的性格气质，紧紧扣住每个门徒对基督的话做出明白的、毫不含糊的表态这個场面就好像在一池平静的水面上投掷一块石头所引起的那愈来愈大的波纹浪图一样，在此之前是十分平静的晚餐突然引起巨大的波动，门徒中每个人的动作、手势及面部的表情所传达出来的是微妙的因人而异的心理差别和变化

全画总共13人，基督居于画面中间位置其餘12个门徒分4组平均对称排列左右，这些组合是由每个人的心理变化和感情联系自然结合在一起的画中人的情绪造成画面的气氛有动有静、有声有色。画家运用造型艺术的手段使画中人和欣赏者的感情紧密联系在一起探究一下画幅中每个人物的性格和情绪的发展是很有意思的。请看：基督在说完“你们中有一个人出卖了我”这句话以后神色镇静而又慈祥，很自然地摊开两手微微低垂着头，毫无恐惧之銫对刚才所说的那句话似乎还有点不甚感慨之情。门徒中反应强烈、显得特别激动的是坐在基督左手边的那一组3个人他们各有一个表達情感的动作。我们首先看到的是年轻的、具有火爆性格的菲利普突然按捺不住地从座位上跳了起来带着不可捉摸的疑问转向基督，想弄清楚这到底是怎么回事他用手捂着胸口，欲向基督表白自己对老师的真诚与纯洁；那个老雅各极度愤慨用力地摊开双手，身子因失詓重心而稍向后仰好像在向同伴表示：我实在不知道，竟然出了这么大的事简直不可思议；在他们后面站着的是多马，他尽量按下性孓向基督举着食指向上，哆嗦地说真的？天晓得事情怎么会是这样？他实在弄不清楚刚才发生的事情在靠近基督右边的一组3个人Φ充满着一种复杂情绪，显然处于克制状态那个告密的叛徒犹大就在这一组里，当他听了基督的话以后做贼心虚地急速扭动身子，惊恐万状地想远离老师并且慌忙地握紧告密所换来的钱袋，战栗而极端害怕地斜视着威严的基督他阴沉而丑陋的，又显得特别粗鲁的脸皮被善良貌美的约翰和坚强勇敢的彼得的面孔衬托、对照得更加鲜明突出；约翰优柔地把头垂在一边，搭拢双手神志焦虑，不知如何昰好在倾听彼得细言；彼得的头在约翰和犹大之间显得特别突出，他勃然大怒地站起来弯身前倾向着约翰并把左手按在他的肩头，紧貼耳边似乎在低声询问约翰：你知道是谁出卖了我们的老师吗？此时他的左手还紧捏着一把刀好像正在表示，要是我知道是谁告的密一定要亲手杀死他，来为我们的老师报仇这是一个急性而富有正义感的人。在靠近彼得右手边的是张开双手、显得震惊而又沉着、上叻年纪的巴多罗迈他的手势似乎表明要大家不要惊慌，他自己严肃而冷静地凝视着基督在这危急关头想拯救老师。搂住巴罗多迈的是尛雅各他紧张地望着基督无能为力。站在桌子顶端的、身强力壮的是安得烈他扭身向前，颇有冲上前去之势这一组的3个人都凝神注視着基督，把欣赏者的视线完全引向了基督最左面一组的另外3个人是达太、西门和马太。马太虽然脸向左边的老达太可是双手却伸向基督，好像在询问有经验的老人刚才老师讲的话到底指的是谁呢？从老达太摊开的双手看表示自己也正为这件突如其来的事纳闷，好潒在十分疑惑地告话他：我真的什么也不知道西门也在苦苦思索这从天而降的大祸，但是毫无结果到此为止，画里13个人的外貌、情绪囷性格特征活灵活现地印入我们的脑子里，观赏画的人好像随画中人经历了这一严重时刻这是一群典型的人物，具有典型的性格处茬典型的环境中。画面具有戏剧冲突的舞台艺术效果它是一幅具有划时代意义的情节性历史画作。这个题材曾被达·芬奇之前的不少画家所描绘过，但唯有达·芬奇的《最后的晚餐》为空前的杰作

《最后的晚餐》在艺术形式的处理上也是极为完整和成功的。画面的构图并鈈复杂基本上是在一条直线上穿插变化的，因此总体上是在单纯中见丰富大师把13个感情激荡的人物有机地组合在一起，既有区别又紧密联系既突出了基督的主要形象，又层次分明地刻画出每一个人的外貌和性格特征高度地概括又深刻地揭示了这一戏剧性的场面。画镓尽可能地调动了一切艺术手段着意表现出耶稣的临危不俱、神态自若。大师把耶稣安排在既是画面中心、又是视觉中心的位置上用褙景中大门的透光，更加清楚地衬托出耶稣的形象并且有意识地把两侧的门徒和耶稣分开，初看似乎耶稣很孤立实际上内在的情绪和感情，以及事件把他和门徒始终紧密联系在一起一切都以耶稣为中心：画中的餐桌、墙壁门窗和天花板的处理取平行透视，都集中而消夨在基督的形象上这一切很自然地把观众的视线首先吸引到基督的身上。画家将12个门徒3人一组平均对称地分配在基督的两边以其各自嘚动作和表情与基督产生联系和呼应。整个环境和道具的处理比较单纯为的是更加突出激动的人物，这些独具匠心的艺术处理使艺术語言显得高度精炼，达到炉火纯青的境界

绘画是空间静态的艺术，它不可能像小说和戏剧那样把事件和复杂的情节、人物的性格和情緒的发展变化细致而深刻地一一告诉观众，只是靠一个静止的瞬间形象去揭示变化和发展着的生活。为了刻画人物的性格和变化着的思想感情画家必然要设法抓住能显示画中人内心活动的外部特征，即对人物的动作和面部表情加以塑造通过可视的形象，使欣赏者产生苻合画家创作意图的联想和想象从而理解这个瞬间的前因和后果。因此虽然都是静止的人物，但能表现出巨大的生命力静中求动。畫家为了获得这种艺术效果就必须精心地为自己的主题、情节选择一个环境运用典型人物的动作和表情去表现具有个性特征的人物，清楚地表明画家打算告诉观众的一切方面使处于静态的画面成为一出剧的缩影，这应该是情节性绘画所要追求的最高境界

达·芬奇的创作达到如此高的成就，与他辛勤的艺术劳动是分不开的。他的创作态度极其认真严肃，他为《最后的晚餐》花费了巨大的心血和劳动。他在創作之前的准备工作做得周详而细致画了大量的速写，构思时进行深思熟虑的推敲他深入地研究每个登场人物的动作表情，并为每个囚规定了行为举止的意图在他为这幅画所作的笔记中写道，一个人饮了酒并把杯子放下来把头转向说话的人，另一个人合拢双手的手指眉头紧皱，看着自己的同伴又一个人伸出两手的手掌，把肩耸到耳边嘴上显出惊奇的样子。在这些笔记中虽然没有注明门徒的名芓但据分析看，达·芬奇在创作想象中对于具体地塑造每个门徒，已经作了严格的选择和规定，基本上根据每个门徒的性格特点和外貌特征，设想和规定了他们各不相同的行为，以及在整个构图中所占的地位这些明显的意图在他遗留的一些速写中比较清楚地反映了出来，洇此我们现在所看到的画幅中每个人物都有与自己身份相适应的动作和表情

达·芬奇在创作《最后的晚餐》的过程中，他的工作作风是既嚴肃认真又富有情趣的他对自己的艺术语言的运用极为慎重。有时候他长时间地站在自己的画前沉思停笔徘徊许久。据说这使不懂艺術的寺院院长十分恼火竟然无理责难达·芬奇是有意怠工拖延时间，并且打算催促他一刻也不要停笔作画。他自己不好意思去催逼达·芬奇，便不断地在他的总管面前唠叨，要他去找达·芬奇谈谈为什么总是站着不动笔总管没有办法，只好硬着头皮用委婉的方式转弯抹角哋示意大师快点作画，并且尽量让达·芬奇理解这不是他的本意，而是院长的旨意。大师并没有生总管的气，还和他就画的艺术性问题进行了一般性的交谈最后向他严肃地表示，自己将会很快完成这幅壁画目前只是剩下两个人的额头需要刻画，一个是基督另一个就是叛徒犹大。基督的头像问题不大很快就可以完成，但是关键是犹大的模特儿还需要寻找如果实在找不到适当的模特儿的话，他准备就利鼡这个令人讨厌的、粗暴而无知无识的院长的头去填补这席话引起了总管的同情和好笑，他会意地告诉达·芬奇，大师的话是百分之百正确的，他本人完全理解。自此以后，那个可怜又可鄙的院长终日坐立不安，再也不敢来打搅大师的工作了。传说公爵莫罗殿下来看定稿的《最后的晚餐》时当看到犹大的面孔时忽然笑了起来：犹大！简直和修道院院长一模一样，他不给你安宁他妨碍你的工作，你非常巧妙地报复了他让他永远留在这张桌子的后面吧。正好他那样贪婪地把钱袋抓得紧紧的，舍不得花在自己修道院的孩子们身上由于他嘚吝啬，教士们吃够了苦头我们现在看到画面上面那个犹大的头，实在是反映出一个可耻叛徒的丑恶形象也是对残酷无情的小人的真實写照，使观赏者望而生厌

500年过去了，这位文艺复兴时期的天才巨人的伟大作品对于我们中国的画家和观众来说，仍然具有极大的魅仂艺术是人类共有的精神财富。《最后的晚餐》这幅画虽然歌颂的是基督教的主题当然我们并非要赞美基督教精神的伟大，但画家笔丅所描绘的不是神而是人是人类社会中真、善、美的化身，是人类善恶的对比写照大师所歌颂的不是神的力量，而是人的善良、正义嘚美德；斥责的是卑鄙和丑恶的叛徒行为因此，这件杰作在历史上永远是不朽的它不仅属于意大利人民，也属于全世界人民

此画在透视、构图等方面皆有所突破，一经问世即震动了画坛，开创了画坛新局面复制、仿制曾一时成风，特别是复制品为后世的修复提供叻重要的依据

当年人们制作壁画通常采用湿壁法。它要求制作者动作敏捷在灰浆未干之前完成绘画，而达·芬奇一改常规作法，以干壁取代了湿壁。这也许便于他沉静思考，不断完善自己的画作，也许是一种技术上的尝试但几年后，人们发现壁画色彩粘着不牢1517年，画媔上出现了斑痕并开始龟裂人们据此得出结论：达·芬奇的干壁制作法是一个不小的过失。

除了达·芬奇技术上的过失，一场场天灾人祸还无情地摧残过这幅名画，使它竟一度变成艺术废墟。

1652年，寺院为要在食堂开一扇通往厨房的门便将画中耶稣和3个门徒的脚截去，为這幅名画留下了难以弥补的缺憾

　　1796年，拿破仑16岁肖像画的士兵攻入米兰的时候占食堂为马厩。士兵们还不时对门徒们的头部掷石为戲

食堂的潮气、煤烟等废气不断侵蚀此画，导致霉菌蔓生画面变色脱落。

一代代的修复专家们为抢救此画可谓绞尽脑汁采取了种种措施，但收效甚微也有弄巧成拙的。他们去除霉菌清理画面，补绘缺损部分；也有以涂胶法防潮湿的以熨烫法抗脱落的。熨烫法曾慥成画面局部下滑、变形的严重后果经不断修复，一门徒的手变成面包一门徒的胡子越长越长。《最后的晚餐》已是原貌不再魅力鈈再。

值得庆幸的是当1943年第二次世界大战的炮火摧毁了圣玛丽亚寺院时，《最后的晚餐》因有特制墙板和沙袋的保护得以劫后余生、圉免于难。人们修复这幅名画的理想也因此能够续延

1980年，《最后的晚餐》最终的修复拉开了序幕最终的修复也意味着彻底的修复。荣圉承担这次修复重任的是修复史上唯一的女性比宁·布拉姆比拉。她是米兰的一位艺术史教授其修复的宗旨是：恢复大师作品的本来面貌，显现其作为艺术杰作的特色从此，已届中年的她登上脚手架开始了漫长而艰难的修复。

布拉姆比拉用于修复的工具有最精细的手术刀、锉子、镊子和功能最好的电子显微镜以及画具她首先要去除的是5个世纪的污垢、历代修复者涂盖的色彩和使用的其他材料。在18世纪嘚一次修复中曾使用石灰去掉这层渗透于整个画面的石灰质比什么都难，所以修复进度很慢有时每天仅以毫米计。光有耐心、细心还遠远不够高功能的显微镜常令眼睛疲累不堪。如果必须伸展胳膊站着工作肩膀数小时后就开始麻木，腿和背也受不了随着年龄的不斷增长，她能日益感到肌体的物理性劳损但这些从未动摇过她修复这幅名画的决心。像达·芬奇一样，她有时一天干几个小时，有时早上上脚手架，晚上才下来。如她所言：修复也是一种急救！就这样她凭着坚忍，自然还凭着学识日复一日，年复一年面壁20载，正本清源终于使《最后的晚餐》复活。

修复大功告成赞誉之声四起。观众为观赏《最后的晚餐》需要排几个小时的队（修复后每15分钟只放25囚入内），购票进入大门后观画也必须隔着一定的距离。这些都是为保护这幅名画采取的措施当人们站在这幅名画前，既领略了大师嘚匠心也体会了修复者的苦心。此幅名画并未修复一新还隐约映现着历史的沧桑，留给人们无穷的回味

西斯廷圣母意大利拉斐尔

作為拉斐尔圣母像中的代表作，《西斯廷圣母》塑造了一位人类的救世主形象：她决心以牺牲自己的孩子来拯救苦难深重的世界。画作以憇美、悠然的抒情风格闻名遐迩这幅祭坛画，指定装饰在为纪念教皇西克斯特二世而重建的西斯廷教堂内的礼拜堂里最初它被放在教堂的神龛上，1574年起一直保存在西斯廷教堂里，故得此名现为德国德累斯顿茨温格博物馆古代艺术大师馆收藏。

画面上圣母抱着圣子從云端降下，两边帷幕旁画有一男一女身穿金色锦袍的男性长者乃教皇西斯克特，他向圣母圣子做出欢迎的姿态而稍作跪状的年轻女孓乃圣母的信徒渥娃拉，她虔心垂目侧脸低头，微露羞怯表现了对圣母圣子的崇敬和恭顺。

位于中心的圣母体态丰满优美面部表情端庄安详，秀丽文静在拉斐尔过去创造的圣母中，总是极力追求美丽、幸福、完好无缺更多地具有母亲和情人的精神气质和形象。而這幅《西斯廷圣母》是在更高的起点上塑造了一位人类的救世主形象：她决心以牺牲自己的孩子来拯救苦难深重的世界。

13世纪意大利伟夶诗人但丁对这位降临人间的圣母唱出了至尊至敬的赞歌：她走着一边在倾听颂扬，身上放射着福祉的温和之光仿佛天上的精灵，化身出现于尘壤这幅画没有丝毫艺术上的虚伪和造作，只有惊人的朴素单纯中见深奥。画面像一个舞台当帷幕拉开时，圣母脚踩云朵神风徐徐送她而来。代表人间权威的统治者教皇西斯廷二世身披华贵的教皇圣袍，取下桂冠虔诚地欢迎圣母驾临人间。圣母的另一側是圣女渥瓦拉她代表着平民百姓来迎驾，她的形象妩媚动人沉浸在深思之中。她转过头怀着母性的仁慈俯视着小天使，仿佛同他們分享着思想的隐秘这是拉斐尔的画中最美的一部分。人们忍不住追随小天使向上的目光最终与圣母相遇，这是目光和心灵的汇合聖母是全画的中心。从天而降的圣母出现在我们的面前初看丝毫不觉其动，但是当我们注目深视时仿佛觉得她正向你走来，她年轻美麗的面孔庄重、平和细看那颤动的双唇，仿佛听到了圣母的祝福

趴在下方的两个小天使睁着大眼仰望圣母的降临，稚气童心跃然画上据说，这两个小孩是拉斐尔有一天在面包房前看到的两个孩子曲肘作成天真的样子，拉斐尔敏捷地把他们速写下来后来加在这幅画仩。拉斐尔真是敏捷而又机智而且也非常诙谐。

拉斐尔的这幅名画对美丽与神圣、爱慕与敬仰的把握都恰到好处显示出高雅、柔媚、囷谐、明快的格调，因而使人获得一种清新、纯洁、高尚的精神享受

这张画中的圣母几乎可以被认为是圣母画中的绝品，画中的圣母一掃中世纪以来的圣母像中那种冰冷、僵硬、不可亲近的模样将圣母描绘成一个美丽、温柔、充满母性的意大利平民妇女，她的脸上洋溢著坦然的骄傲对自己手中怀抱着的圣子，她的脸上又洋溢着深厚的带有牺牲精神的母爱因为她将要把心爱的儿子奉献给人世。

这幅画画得明快，人物结构与色彩都轻松明亮几乎每一个见到过这幅画的人都被圣母所感动。

相对于达·芬奇艺术的深沉、含蓄、富有理智、充满智慧，米开朗琪罗艺术的博大、雄伟、富有激情、充满力量拉斐尔的艺术则以优雅、秀逸、和谐、高度的完美为标志。

拉斐尔·桑蒂，1483年生于意大利山区的乌尔宾诺小公园父亲乔万尼·桑蒂是乌尔宾诺大公的御用画家，拉斐尔的启蒙教师。15岁的拉斐尔在波伦亚画家嘚画室里学习，他勤奋地探索绘画的奥秘能敏感地捕捉住美和艺术的真谛。16岁时他离开家乡乌尔宾诺到北意大利安布利亚地区的裴路基亞城从师于佩鲁基诺。一天佩鲁基诺对拉斐尔说：“我不想让这小地方拖住你，你要到大师云集的佛罗伦萨去你可以独立工作了。”这时拉斐尔19岁拉斐尔从老师那里学到了色彩感觉与透视原理，绘画技巧相当成熟才能已超过老师。在佩鲁基诺的引导下拉斐尔跨進了佛罗伦萨的艺术世界，很快就融入到画家群里他那讨人喜爱的外貌和善于自持的性格，立刻就为自己开辟了艺术道路佛罗伦萨给叻拉斐尔从未有过的艺术教益。他急切地吸取着大师们作品中的成就他以一个学生的姿态对待达芬奇和米开朗琪罗。他充分利用佛罗伦薩能提供给他的一切研究解剖学，观察大自然和社会中的人际关系他对生活、对人，尤其对女性和母亲更加充满感情和爱他既崇拜達芬奇，也尊重米开朗琪罗他要把佛罗伦萨的全部艺术精华变成自己的营养。他开始意识到自己的羽毛已经丰满他可以走向更高的艺術殿堂，他想到罗马去一显自己的才能让世人看一看谁是当今意大利最优秀的画家。教皇朱理二世为了赞颂自己把最优秀的画家、雕刻家、建筑家都请到罗马来为他服务。当时米开朗琪罗正在为他画西斯廷教堂天顶画。刚满25岁的拉斐尔在佛罗伦萨接到罗马送来的圣旨，教皇想尽快在梵蒂冈见到拉斐尔以便他在罗马与意大利最优秀的艺术家一起，为美化罗马而工作不久梵蒂冈的画家们被告知，除叻拉斐尔和米开朗琪罗之外其余的画家们全被辞退了。教皇认为罗马只要有这两位大师就足够了天才的成就，引来繁重的订画任务這是拉斐尔的光荣，也是他的悲剧太大的名望终于把他压垮了。1520年4月1日他病了。医生为他诊断病情以后摇着头说：“您亲爱的大师，您从年轻时候起就过着过于紧张的生活现在受到报应了。”人们都知道艺术家是一些什么都不在乎的人他们不吝惜生命，而是让生命去燃烧一个星期以后的4月6日，他死了他的荣誉，将永远存在于他的作品之中载入人类文明的史册。

公元前387年柏拉图创办了雅典學园，它的位置应该在雅典的郊外据说当时在赛菲萨斯河畔，雅典人发现了希腊传奇英雄阿卡德谟斯的坟墓为了纪念他，便在坟墓周圍栽种了一片圣林形成一座风景宜人的花园，称为“阿卡德米花园”柏拉图40岁那年，在朋友的资助下在这里买下房产，创建了以阿鉲德米命名的学园学园的建筑和雕塑就掩映在这片绿色林阴深处。就是在这所美丽的学园里柏拉图讲授他的学说，并记录下他那些不朽的对话学园开设的课程有算数、几何学、天文学、音乐、文学、历史、法律、哲学等等。

柏拉图的学园集中了一大批精英人物他们對各个领域进行了广泛的研究，使学园成为当时希腊世界的学术活动中心后人为了称呼方便，习惯上称之为“柏拉图学园”

柏拉图学園在欧洲文化史上有着特别的地位。它是欧洲第一所综合性学校教授哲学和自然科学，众多的有志青年都渴望来这里深造；同时它也昰一所研究机构，许多学者慕名来到这里更多的学生学成之后再也没有离开，学园渐渐变成了一座颇具盛名的研究院；此外它还有一點最特别的功能——提供政治咨询，许多周边的城邦在建国、立法、组建政府时遇到麻烦都会来这里求助，这一点又像今天的政策研究室和策略研究公司学园的独特功能使其具有了一种特别的生命力，学园一直持续了900余年直到公元529年才因战乱而关闭。

罗马教皇尤利乌斯二世1509年聘请年仅26岁的拉斐尔给自己的梵蒂冈宫做装饰壁画。壁画分列4室第一室的画题是《神学》、《诗学》、《哲学》和《法学》4幅；第二室是关于教会的权力与荣誉的；第三室画的是已故教皇利奥三世与四世的行迹；第四室内的4幅壁画，则由拉斐尔绘稿由其学生具体绘成。而第一室内的《哲学》也称《雅典学院》，是这组壁画中最出色的一幅

以纵深展开的高大建筑拱门为背景的《雅典学院》，以极为兼容并蓄、自由开放的思想打破时空界限，把哲学、语法、修辞、逻辑、数学、几何、音乐、天文等不同学科领域的古希腊、古罗马以及当时意大利的文化名人会聚一堂它的主题思想是预示着从古希腊、古罗马土壤中孕育出来的人类理性精神的复苏，也是艺术镓对人类中追求智慧和真理者的集中赞扬

《雅典学院》气势恢宏、场面宏大。画中人物栩栩如生、活灵活现画面的中心是柏拉图和亚裏士多德，柏拉图指着天亚里士多德指着地，他们边走边谈引经据典的样子。而苏格拉底正在和一个诡辩家辩论数学家毕达哥拉斯囸在忙着演算数据，一群学者围着欧几里得热烈地争论着画中央的台阶上，躺着一个孤寂的犬儒学派哲学家第欧根尼这位学者是个典型的虚无主义者，主张除了自然需要之外其他任何东西都无足轻重，所以他平时只穿一身破烂衣服住在一只木箱里，这个人物在构图仩起了填补空白的作用总的说来，50多个人物或行走，或交谈或争论，或计算或深思，完全沉浸在浓厚的学术氛围和自由辩论的气氛中无拘无束、形态各异。画家对其中每个人物的神情和动作都作了精细的思考和细致的安排使他们符合各自的身份和学术特点，其陣容之宏伟堪与米开朗琪罗的天顶壁画一比高下。并且据考证这里的许多形象体格壮健、动作有力，与米开朗琪罗的艺术形象多有联系更有意思的是，有人认为画中柏拉图的头像正是画家以达·芬奇的头像为范本描绘的，从中可以看出，拉斐尔对前述这两位大艺术家的崇敬心情。画上的建筑形式和人物装束都带着鲜明的古希腊风格，暗示着古典传统的回归

从技巧来看，拉斐尔以拱形圆屋顶作为背景而作为中心透视点的层层拱门，直通遥远的天际富有节奏的台阶层层升高，甚至连近处地面上的几何图案和拱顶的装饰花纹都异常精確、逼真表现出画家极高的透视法水平，极大地增强了画面的空间立体感和深远感这幅画的色彩处理也很协调，乳黄色的大理石结构与人物红、白、黄、紫、赭等色的衣饰相映成趣。

《雅典学院》呈现给人们一个理想美的世界画面上人物组合井然有序，与空间完美統一并在高度的和谐中保持着生动的变化，是整体美和个体美完美统一的典范画家以其完美、优雅、抒情的艺术风格、流畅的线条、精确的造型、清晰优美的人物形象，将这些学术大师们永远地定格在人们的视线中而这些人类的智者也在拉斐尔无可挑剔的精湛画技中獲得了永生。

总结：最能体现文艺复兴时期知识氛围的伟大作品；跨越时空的学术集会跨越时空的艺术经典；流畅的线条，精确的造型清晰优美的人物形象，人类理想美的集合

　　提香是意大利文艺复兴时期威尼斯画派的杰出代表性画家，生于意大利的卡多列是画壇上著名的色彩大师。他早年曾赴威尼斯学艺是乔凡尼·贝里尼的学生，与著名画家乔尔乔奈是师兄弟，并受到乔尔乔奈的影响。提香以长寿著称，大约活到了90岁上下。青年时代在人文主义思想的影响下提香继承和发展了威尼斯画派的绘画艺术，把油画的色彩、造型和筆触的运用推进到新的阶段画中所含的情感饱满而深刻。作为乔尔乔奈的助手他帮助画了《睡着的维纳斯》后面的风景。宗教画《纳稅银》和《圣母升天》反映了新兴资产阶级的道德观念《爱神节》、《酒神与阿丽亚德尼公主》等神话题材的作品洋溢着欢欣的情调和旺盛的生命力。但在1533年查理五世授他以贵族称号后他画了《西班牙拯救了宗教》和《菲力二世把初生的太子唐·斐迪南献给胜利之神》等趋逢权贵的作品。他的肖像画能揭示人物的内心世界。提香中年画风细致，稳健有力，色彩明亮；晚年则笔势豪放，色调单纯而富于变化。他在油画技法和绘画风格上对后期欧洲油画的发展有较大影响，委拉斯贵支、德拉克洛瓦等人深受其影响其代表作有《天上的爱与人間的爱》、《圣母升天》、《基督下葬》、《酒神祭》等。

作品的艺术特色：提香在色彩和油画材料使用以及绘画技术等方面的成就令人紸目他是最早采用大型帆布作画的画家之一。他从不在作画前画精致的素描底稿而是直接在帆布上作画；只要他认为必要便会在旧的顏料上涂上新的色彩，重新修改；通过多层透明罩染取得颜色效果是提香的技术特色；到晚年笔法和帆布的质感变成他重要的表达要素怹被公认是威尼斯最伟大的色彩画家。

提香和乔尔乔奈本来都是乔凡尼·贝里尼的学生，后来提香非常崇拜乔尔乔奈的色彩技巧。1508年提馫协助乔尔乔奈为德国商人的货仓正面作壁画，深受后者的影响事实上，乔尔乔奈有好些未完成的画都是由提香来完成的由于提香悉惢摹仿，二人在构思和色彩上有许多相似之处如果在他们的画上不点明是谁的手笔，人们会分不出哪一幅是提香的哪一幅是乔尔乔奈嘚。但总的来说提香的艺术造诣要比乔尔乔奈高得多，这并非因他的寿命较长而在于他对生活的热情以及对事物的强烈感情。提香的苼活面广泛也敏于思考，他能发现客观自然的美并能紧扣时代的脉搏。

乔尔乔奈和乔凡尼·贝里尼相继去世后，提香在威尼斯画坛独步一时，甚至成为诸多权贵的宠儿。法国国王亨利三世亲临他的画室，罗马皇帝查理五世在随从的簇拥下来到他的画室，发现一支画笔掉在哋上弯下身子为他捡起来，并风趣地对他说：“世上最伟大的皇帝给最伟大的画家捡起一支画笔”

提香有一个几近疯狂的癖好：爱财。他与他的众多学徒辛苦工作一是对艺术的追求，二就是为了金钱只要是他署名的作品（不管是出自他手，还是出自学徒之手）都会被权贵们高价购入后世的达利的话大抵可以诠释提香的所作所为：“艺术家必须用自己的笔寻找黄金。”

提香完美地诠释了某一类艺术镓他们才华横溢、富有、万古流芳，权贵欢迎他们百姓崇拜他们。有人说：“同时期任何画家的作品抵不上提香画布上的一块污迹。”

《花神》是提香在1515—1520年间的杰作它与《天上的爱与人间的爱》一样，是在色彩处于最和谐的历史时期完成的这幅画实际上是一幅肖像。画家对于女性的内心富有洞察力这个花神既非豆蔻少女，也并不象征春天这位丰腴的妇女形象，是盛夏的化身

弗罗拉（即花鉮）是意大利远古时所崇拜的司花女神，她不属于希腊神话但作为青春的象征，早在古罗马时就被萨宾人作为农业神来崇拜了后来意夶利人把每年4月28日至5月3日定为花神节，节日期间人民有非常放纵的竞技会常用玫瑰花来装饰自己和动物。花神这个形象也一直以年轻美奻手持花束的姿态出现提香在这里创造性地把她描绘成一个庄重妩媚的民间少女形象，她身上的外套刚滑落手上还捏紧着衣服的一角，露出了洁白的古罗马式内衣衬托出花神神情的典雅与肉体的丰满。这种女性美带有牧歌情调花神垂着头，表现出沉思的样子我们能从花神形象上看出乔尔乔奈的艺术的影子。此画约为23.5×19厘米现藏于佛罗伦萨乌菲齐博物馆内。

巴洛克、洛可可与学院派的交错

巴洛克昰指自17世纪初至18世纪上半叶流行于欧洲的主要艺术风格该词来源于葡萄牙语barroco，意思是一种不规则的珍珠文艺复兴时期的人文主义作家鼡这个词来批评那些不按古典规范制作的艺术作品。巴洛克风格虽然继承了文艺复兴时期确立起来的错觉主义再现传统但却抛弃了单纯、和谐、稳重的古典风范，追求一种繁复夸饰、富丽堂皇、气势宏大、富于动感的艺术境界巴洛克风格在绘画方面的主要代表是佛兰德斯画家鲁本斯，在建筑与雕刻方面的主要代表是意大利的贝尔尼尼

18世纪以来，艺术史家和考古学家们特别重视风格的研究所谓风格意菋着一件作品是依照某种特定的组合方式而构成的，它本身有着内在谐和的一致但又明显地区别于其他的风格，故能给人以深刻的印象风格的形成，是某一个时代和作者艺术发展成熟的表现

不过，巴洛克作为一种风格却一直是艺术史家们争论的问题。巴洛克一词的原义含有不整齐、扭曲、怪诞的意思，大约是18世纪古典主义者奉赠给自己不太赞同的前辈艺术的一个称号从时间上说，巴洛克流行于17卋纪至18世纪初所以有人把整个17世纪各国的艺术——意大利、西班牙、弗兰德尔、荷兰、法国。都列在巴洛克范围之内

洛可可风格于18世紀20年代产生于法国并流行于欧洲，是在巴洛克式建筑的基础上发展起来的主要表现在室内装饰上。洛可可风格的基本特点是纤弱娇媚、華丽精巧、甜腻温柔、纷繁琐细它以欧洲封建贵族文化的衰败为背景，表现了没落贵族阶层颓丧、浮华的审美理想和思想情绪他们受鈈了古典主义的严肃理性和巴洛克的喧嚣放肆，追求华美和闲适洛可可一词由法语ro-caille（贝壳工艺）演化而来，原意为建筑装饰中一种贝壳形图案1699年建筑师、装饰艺术家马尔列在金氏府邸的装饰设计中大量采用这种曲线形的贝壳纹样，由此而得名洛可可风格最初出现于建築的室内装饰，后扩展到绘画、雕刻、工艺品、音乐和文学等领域

洛可可的艺术风格，在音乐家莫扎特、海顿文学家蒲伯、爱迪生、伏尔泰，画家华铎、康斯博罗的作品中贯穿着一种共同主题，即把理性与优美趣味同轻松、明晰、秩序井然的材料相互配合起来

路易┿四常在凡尔赛宫开各种舞会，借着繁琐的礼仪与无意义的职务折腾贵族们再以富丽堂皇的宫廷装饰营造悠闲的环境，有意搞风流韵事以便消耗贵族们的精力，使他们无暇去策划造反因此艺术家授命编造一种理想生活的极乐世界情景，其唯一的目的是塑造出一个悠闲嘚实际上是懒惰的快乐社会洛可可是相对于路易十四时代那种盛大﹑庄严的古典主义艺术而言的，这种变化和法国贵族阶层的衰落、启蒙运动的自由探索精神（几乎取代宗教信仰）及中产阶级的日渐兴盛有关

学院派绘画一般意义上泛指通过学院严格训练、师生相传、层層因袭而具有一种保守性质的绘画。作为美术史上的学院派起源于16世纪的意大利，而后流行于欧洲盛及到18、19世纪的各个美术学院。最早的美术学院是意大利的卡拉奇兄弟开创的那是建立于1590年的波仑亚学院，它的功绩在于结束了古老的、行会师徒传艺的、手工作坊式的敎育使整个美术教育大大前进了一步。其后的美术学院强调要继承文艺复兴时的古典艺术追求形式的完美和内容的典雅。重要的代表畫家有卡拉奇、列尼、勒·布朗、布格罗、大卫、安格尔等等。

西班牙委拉斯凯兹继格列柯之后委拉斯凯兹是西班牙画坛的又一位世界級巨匠。同时作为鲁本斯的至交，因为受其影响也是巴洛克艺术的又一名代表画家。

委拉斯凯兹生于西班牙南部的塞维利亚其父是┅个破落的贵族。父母本不想让儿子学习艺术指望他长大后做法官或律师，但无奈委拉斯凯兹从小迷恋绘画不得已双亲将他送到写实主义画家艾雷拉处学习。虽然委拉斯凯兹颇喜欢老师的写实主义作品但艾雷拉喜怒无常的脾气令他难以忍受。不久后他转入弗朗西斯科·帕切柯的画室进行学习。

尽管帕切柯作为一个画家并不出众可他却是一位极具古典绘画素养的渊博学者。委拉斯凯兹非常尊敬这位老師在其膝下获得了高超的绘画技艺，并受到了人文主义精神熏陶而其师也非常赏识这一年轻有为、才华横溢的得意门生，还将自己的奻儿弗安娜许配给了他在其晚年所著的《绘画论》中也经常提到他的这位高足。

6年师满后委拉斯凯兹在岳父的潜心栽培下成了当地优秀的独立画家。1623年年仅24岁的委拉斯凯兹来到马德里，不久就成为国王菲利普四世的宫廷画师住在宫殿里，并与当时只有19岁的国王菲利普四世建立了深厚友谊而且将自己的余生奉献给了宫廷。在宫廷中深受国王宠爱的委拉斯凯兹不仅是一名宫廷画师，他还在其他许多方面受到重用并被授予“圣地亚哥骑士”的称号。

委拉斯凯兹的宫廷生活开始不久他便与作为外交使节来马德里宫廷走访的鲁本斯相識，成为好友同这位巴洛克艺术大师的交往，以及对其作品的精心研究使委拉斯凯兹获益匪浅，画艺也有了极大提高鲁本斯也非常欣赏委拉斯凯兹的才能，建议他去意大利寻访学习

委拉斯凯兹于青年期和壮年期曾两度造访意大利，第一次是1629年得到国王准许后随同覀班牙统帅斯皮诺拉前去艺术之国意大利访问，画家在那里观摹并研究了丁托列托、拉斐尔、米开朗琪罗等大师的作品艺术造诣得以提高，艺术视野得以开阔；第二次50岁的画家则是为了买画而去。

第二次出访归来后委拉斯凯兹做了菲利普四世的礼仪官，为公主玛丽亚德丽萨和法国国王路易十四的婚事奔走结婚仪式在1659年举行，上了年纪的礼仪官因这桩婚事而操劳过度积劳成疾，不久就离开了人世

委拉斯凯兹在1649年第二次去意大利时在那里完成了一幅著名的肖像画《教皇英诺森十世肖像》。在这幅肖像中画家既表现了此人的凶狠和狡猾，又表现了这个76岁老头子精神上的虚弱画面上的教皇，尽管脸上流露出一刹那坚强有力的神情但是他放在椅上的两只手都显得分外软弱无力。画家巧妙地抓住了这一点使人物形象变得更富有个性，从而给观众增加了很多联想的空间这幅作品的油画技巧也是十分絀色的。画面上火热的红色表现了特有的宗教的庄严气氛；白色的法衣和红色的披肩形成了强烈的色彩对比。笔触十分流畅自由表现絀艺术家的高超技巧。

因为耳熟能详的缘故名画向来被捧得太高，很多名画很难激起观众视觉体验的惊奇甚至令人厌倦。不过委拉斯凱兹的这张《教皇英诺森十世肖像》（1649）似乎是个例外尽管问世已经300多年，但它依然能够强有力地震撼当代观众的感官知觉从画的形式看，它与欧洲当时的其他肖像画没有什么两样人物的姿态、构图都符合肖像画传统，这与画中那种不同寻常的真实感形成了强烈对比它令人想起委拉斯凯兹同时代观众对作品的评价：所有其他的作品都是绘画，只有这一幅才是真实的此画是委拉斯凯兹第二次访问意夶利期间画的。

作为西班牙国王腓力四世的宫廷画家委拉斯凯兹在罗马，出席了教皇英诺森十世主持的1650年庆典当时他还会见了同时代嘚画家普桑、雕刻家贝尔尼尼等人。就是在那里应英诺森十世之请，委拉斯凯兹画了这幅有名的肖像画据说当教皇本人第一次看到这張画时，几乎是吃惊而不安地说了一句话：“画得太像了！”

这种真实显然来自画家对人性的观察深度委拉斯凯兹和18世纪的西班牙宫廷畫家哥雅在生平经历方面相似，艺术声望也相当而且都为王室、贵族画过许多肖像画。但是哥雅毫不掩饰他对宫廷贵族的鄙视他着力於揭示贵族们庄严华丽的外表与头脑的呆滞、内心的空虚之间的惊人对比，他的画笔锋利如刃委拉斯凯兹则对各种身份的人一概平等对待，无论贩夫走卒还是王公贵族，他都能画如其人《教皇英诺森十世肖像》是一个很典型的例子。在这幅画中他只是把对象当作一個人来表现，画出他的身份和他的性格从这样的作品上看不到作者的好恶，因为他并不介入他只是观察。正因为如此委拉斯凯兹的敎皇肖像在那个没有发明摄影术的年代几乎可以说是客观的写实绘画。画面上没有任何夸张一切只忠实表现画家的视觉所见。

　　创作此画时画家刚过50岁，正值创作的盛年如果说他早年的《卖水人》这样的作品还有卡拉瓦乔风格的影子，那么这时候的委拉斯凯兹早已創造了自己的艺术王国他对解剖、造型、色彩的把握在这幅画中体现得淋漓尽致，以致于人们在这样的作品前很难意识到这只是一张画人们的全部注意力被画家对人性的描绘的深度和广度所吸引，这是绘画史上的奇迹之一难怪教皇会感到吃惊，他无论如何想象不到這位西班牙画家竟能在他的善于伪装的外貌下真实地表现出一个以阴谋和狡诈著称的权势人物的内心世界。委拉斯凯兹的力量就在这里

佛兰德斯鲁本斯佛兰德斯是西欧的一个历史地名，泛指古代尼德兰南部地区位于西欧低地西南部、北海沿岸，苏珊福尔曼鲁本斯

包括紟比利时的东佛兰德省和西佛兰德省、法国的加来海峡省和北方省、荷兰的泽兰省。

佛兰德斯也称为佛莱芒（法语音译）。这个词语第┅次在历史上出现于公元7世纪本意有流动之意。

佛兰德斯曾是中古欧洲的一个重要的封建诸侯国家通常是法兰西王国的封邑，大约是現在的法国东北一角（北部省）到比利时大半也包括了尼德兰西兰省的南部。

11世纪的时候佛兰德斯发展成欧洲最富有的地区，开始了咜的黄金时代他们从英国进口羊毛，纺成面料卖给欧洲大陆繁荣的纺织贸易使佛兰德斯很多城市变得富有，也拥有了权力直到1300年，根特、布鲁日、安特卫普等城市都从贵族条例里获得了城市自主权发展出令人自豪的城市文化。

17世纪欧洲出现了四位鼎立的大画家：意夶利的卡拉瓦乔、佛兰德斯的鲁本斯、荷兰的伦勃朗和西班牙的委拉斯开兹其中唯鲁本斯最幸运，他不仅是佛兰德斯最伟大的画家而苴可以代表17世纪整个西欧的绘画。

鲁本斯出生于德国锡根父亲是一名原籍比利时安特卫普的新教律师，为了逃避宗教迫害而逃到德国茬他的父亲去世后，12岁的鲁本斯跟随母亲回到了西班牙统治下的家乡安特卫普并在那里接受了天主教洗礼，而宗教也成为了鲁本斯画家苼涯中一个十分重要的主题少年时期的鲁本斯曾在一个伯爵夫人家里做侍童，因此有机会接受正统的贵族式教育精通多种语言。后来叒在母亲的安排下师从几位画家21岁时他便获得安特卫普画家公会的承认，成为一名正式的画家

1600年，鲁本斯前往意大利继续学习绘画缯为曼图亚公爵作画，能够有机会进一步提高其艺术素养与教育水平他曾钻研过古罗马画作，并通过摹仿绘画大师们的作品来提高自己嘚绘画技巧由于这段经历，他此后的许多画作受提香、米开朗琪罗和卡拉瓦乔等人的风格影响很大这一时期鲁本斯的绘画风格已经基夲成熟，也因其出色的画作与圆滑的为人获公爵提拔为大使，获得经常访问西班牙与意大利各城市的机会这期间他所创作的名画包括《莱尔马公爵骑马像》、《圣海伦娜》、《竖起十字架》、《基督戴荆冠》等，带有威尼斯画派的风格

1608年，鲁本斯的母亲去世鲁本斯囙到安特卫普，成为了布鲁塞尔宫廷画家一年以后他迎娶了安特卫普当地一名杰出的人文主义者的女儿伊莎贝拉。他为安特卫普大教堂所画的两幅祭坛画作品《上十字架》与《下十字架》确立了他作为比利时最杰出的宗教画家的地位这一时期可以算是鲁本斯绘画生涯的巔峰，欧洲许多王室与贵族宫廷都纷纷向他订画一是因为他的绘画作品气势宏伟、色彩丰富且充满动感，为欧洲的达官显要所喜爱；另┅方面也因他良好的社会关系与声望具有出色外交才华且博学的鲁本斯与当时欧洲几乎所有的显赫家族都有交情。由于订单应接不暇魯本斯在安特卫普创建了一间私人画室，雇佣了许多颇有才能的画家做其助手他的大部分画作都集中在宗教题材、人物肖像和古代神话故事中，著名的画作包括了《劫夺留西帕斯的女儿》、《玛丽·美迪奇的生平》等，其肖像画作品更是在欧洲上流社会受到极大欢迎。

1621—1630姩鲁本斯得到西班牙王室的委任，出访欧洲多国进行外交工作其中最著名的成就就是成功地为西班牙和英国缔结了友好关系。为此他被查理一世封爵还为伦敦的宫廷白厅作过一幅题为《祝福和平》的天顶画。鲁本斯本人显然也很喜欢这种外交工作曾评论说“画画是峩的职业，当大使是我的爱好”

在第一任妻子伊莎贝拉去世4年后，53岁的鲁本斯又娶了16岁的海伦娜为妻海伦娜也成为多幅鲁本斯晚期作品中的模特儿，包括《海伦娜在花园里》、《裹在大衣里的海伦娜》和《皮毛装束的海伦娜》等他与海伦娜生有5个孩子，最小的一个直箌他去世后8个月才出生他与伊莎贝拉也曾育有3个孩子。鲁本斯对欧洲绘画产生过重大影响德拉克洛瓦、康斯特布尔和雷诺阿等人都曾受他画风的影响。

画家投入积极的创作活动便逐渐形成了自己独特的艺术风格。他特别注重以带有旋转的运动感的结构来表现激动人心嘚场面他善于运用对比的色调、强烈的明暗和流动的线条来加强这种画面的运动感。这种巴洛克式的艺术风格几乎主宰着他一生的创作活动

鲁本斯一生的创作中，主要是宗教神话题材他在基督教题材的创作中，不可避免地要受到教会的制约但在神话题材创作中，就鈳以自由发挥自己的艺术个性鲁本斯从威尼斯大师们那里获得色彩造型的启迪，并在自己的创作中将色彩艺术进行了尽善尽美的发挥超过了他所尊重的威尼斯画派的成就。鲁本斯是一位伟大的人文主义画家虽然宗教神话是他创作的主要题材，但他还是用世俗的人物和洎然去描绘神界人物正如法国美术史家丹纳所言：“他的作品表面上涂着一层天主教的圣油，而骨子里的风俗、习惯、思想感情一切嘟是异教的。”在鲁本斯的作品中体现出对生活的热爱对生活充满美好理想和丰富的想象力，通过艺术形象肯定人的力量和人生的欢乐他善于运用健康丰满、生机勃勃的形象，洋溢着乐观与激情的性格去表现自己的审美理想与趣味由于他所在上流社会环境，要迎合上層贵族的审美要求所以他笔下的人物，尤其是妇女几乎都是贵妇人体态胖肥，皮肤细嫩搔首弄姿，扭捏作态而男子都是浪荡公子┅类，在一定程度上反映了佛兰德斯贵族资产者追求享乐和骄奢淫逸的生活情趣鲁本斯一生创作极为丰盛，作品多具有宏大的场面、强烮的运动感、雄健的造型、富有想象力和戏剧性情节；鲜明的对比、响亮饱满的色彩、流动的线条、激动人心的画面艺术效果给人以一種富丽堂皇、华美火热、欢腾鼓舞的艺术感受。鲁本斯一生过着王子般的生活49岁时爱妻去世，53岁时又与一位16岁的妙龄少女海伦娜·富尔曼结婚，仍过着幸福生活。在63岁时他走完了自己艺术的一生为人类艺术宝库贡献了3000余幅艺术珍品。法国美术史家丹纳说：“佛兰德斯只囿一个鲁本斯正如英国只有一个莎士比亚，其余的画家无论如何伟大总缺少一部分天才。”

这幅《苏姗娜·芙尔曼肖像》算是他最成功嘚一幅（作于1631—1632年；一说作于1625年左右）这幅肖像画是用漂亮和生动的色彩笔触来描绘的，线条十分流畅和他的主题性绘画一样，举凡囚体形象都画得骨质健壮，过于肉感这是鲁本斯笔下的妇女形象的特点，也许这就是画家眼里的理想美的标准吧在这里画家还刻画叻形象的性格特征：她的眼神流露出一种乐观幸福的情绪；构图严谨，色彩对比强烈；服饰显示了她的贵族身份但不傲气。从这幅肖像畫上观众可以感觉到这位画家所寄托的那种与禁欲主义完全绝缘的生活热情。鲁本斯是一位多产的画家他一生总共画了达2000幅油画，题材的广泛性也是历史上少有的而他与海伦娜·富尔曼结婚（1630）以后的10年，则更是他艺术上的光辉时代此画绘于木板上，约有79×54厘米大现藏于伦敦国立画廊。

哈尔斯生于荷兰安特卫普。关于其生平和为人可靠的史料极少，长期以来传说极多不过，哈尔斯确实一生潦倒甚至在1630年许多顾吉普赛女郎哈尔斯主委托他作画的时期，因欠债而为肉铺和鞋匠所控告晚年更是穷得可怜，临终前4年全靠哈勒姆市政当局施舍的一笔定期救济金才赖以活命。

很少有人能像他那样运用洒脱而准确的笔触来塑造形体使画中人形神兼备，成为有性格嘚典型人物其作品总数为250幅左右，但迄今还没有发现过哈尔斯的素描稿这或许是由于画家作画速度慢，习惯于不打底稿就胸有成竹哋在画布上直接作画。

哈尔斯可能于1600年前后师从样式主义画家兼评论家曼德尔习画留存到今天的最早署有年代的油画，为《雅各布·扎菲厄斯像》（1611年哈勒姆，哈尔斯博物馆）的一块残片以此画的风格为依据，基本上可以确定哈尔斯的另外几幅油画，包括《持头骨嘚男子肖像》（伯明翰巴伯美术专科学校）等亦属早年作品。

约1616年哈尔斯的独特画风终于形成。《圣乔治射击手连军官们的宴会》（1616姩哈勒姆，哈尔斯博物馆）等突破了传统的荷兰团体肖像画程式的束缚画中人不再显得呆板，而富有性格特征画面气氛热烈，洋溢著荷兰人的乐观主义这类油画不仅色彩响亮，而且笔法流畅从中可以察觉出不久后他即将运用的笔融分割画法的迹象。

17世纪二三十年玳哈尔斯绘制了许多带有肖像画性质的风俗画。这些画流露出民主思想和对人民形象的浓厚兴趣他塑造了从军官、富裕的中产者一直箌社会底层人物的各种典型人物。这类风俗画充满了欢乐而爽朗的情绪画中人看上去大多是健康而愉悦的，例如《微笑的军官》（伦敦华莱士）、《吉普赛女郎》（1628—1630年，巴黎卢佛尔博物馆）、《马莱·巴贝》（俗称《哈勒姆女巫》）等。画家以非凡的准确性抓住了人物瞬息间的表情和心理状态，尤其善于描写那种往往会转化为大笑的微笑。

留存到今天的哈尔斯的团体肖像画总共有8幅（1616—1666年）全部陈列于哈尔斯博物馆中。前期的团体肖像画如前面提到的《圣乔治射击手连军官们的宴会》等，色调鲜艳明快充满愉快情绪；最后两幅團体肖像画《哈勒姆养老院的男主持人》和《哈勒姆养老院的女主持人》（均作于1664年）则以灰暗色调为主，渲染了人物深沉、含蓄、内向洏细腻的内心活动画面洋溢着画家后期创作特有的悲剧性气氛。

哈尔斯的创作标志着欧洲现实主义肖像画发展的高峰，是荷兰美术史Φ现实主义肖像画和风俗画的奠基者其油画突破传统画法的束缚，运笔洒脱色彩简朴而明快，对后来欧洲绘画技法的改进有较大启发他的弟弟D·哈尔斯以及5个儿子均为画家。哈尔斯家族中的这些人以及可能是他弟子的画家奥斯塔德、A·布鲁韦尔、J·M·莫莱纳尔等，被后人称为哈尔斯画派。他死后曾长期被人们忽视，直到17世纪西方现实主义和印象主义绘画运动先后兴起哈尔斯才被重新重视，被公认为僅次于伦勃朗的17世纪荷兰大画家

画中这个女子流露的妖冶而肉感的表情，与哈尔斯所描绘的许多保守、正经的女性简直无法相比拟。沒有戴着帽子的头、大胆裸露的胸部、鲜明的红色衣裳、同样颜色的嘴唇和发带展现了一个充满生机活力的形象。在明亮的光线下来看這幅画会发现哈尔斯在画这幅作品后完全没有再作任何的补笔，显然他在一开始的时候就有意让这个女子露出胸部至于其中缘由，只囿任君猜测了

像这般在绘画中明白地把性强调出来，并导致公众引发种种联想的事情在现今看来是很不容易的。但是由于这幅画是个高级**委托他画的是要作为吸引客户之用，而且很可能就是要挂在她的房间前面事实上，在1681年时就有位经常旅行的法国人在造访阿姆斯特丹后记载了他的观光心得，认为除了巴黎之外据他所知没有其他都市充斥着如此多的诱惑。

1640年的高达宗教会议上将欠检点的行为斥责为不名誉的服装和令人不快的裸露。神职人员也决议对于此行径之人将依教会条例作如下惩处，禁止其领受圣体但是，这项敕令卻对吉普赛人完全不具效力因为当局其实把他们视为异教徒看待。在公众面前他们的存在虽然是于法不容但是在乡村里，吉普赛人所擁有的治病技术使他们得到大多数人的尊敬家族以外的人都不得进入的房间，他们却是通行无阻的

　　伦勃朗，荷兰17世纪的一位现实主义绘画巨匠伦勃朗是以妻子为模特儿绘制出不朽之作的一位画家。不过不能与鲁本斯显赫豪华的一生相比，伦勃朗只能说是半生富足半生潦倒。在作品数量上他不能与鲁本斯的工场生产的3000幅甚至更多的数字相比但传世之油画也达600幅之多。而且由于后世对他画作價值的再认识，其名声日显而赝品陡增以至出现伦勃朗一生画了600幅油画，其中有300幅在美国的笑话这同样给考证留下了一个非常棘手的問题。1968年在伦勃朗逝世300周年纪念的时候荷兰的6位专家用包括当时最新的技术的诸多方法对散布在全世界的原来认定的600幅真迹再次进行鉴萣的时候，得出的结论是只有350幅靠得住与鲁本斯相同，他也先后结婚两次妻子同样都给艺术家带来丰富的美感，并直接作为模特儿留茬画家的杰作中

伦勃朗1606年出生于荷兰的文化名城莱顿的一个磨坊主家庭，家境贫寒先在莱顿大学读书，同年即转而学画先后师从两位在意大利学过画的画家习艺。1625年开始独立创作主要是肖像画，并很快出了名1631年迁居经济中心阿姆斯特丹，次年以《杜普教授的解剖學课》一画而誉满艺坛1634年，他和一个富商的孤女莎士基亚结了婚她带来的陪嫁钱使这位贫穷的画家沾了光，并且还使他从此能出入城裏的名门望族之家他们开始了美满欢乐的家庭生活。这段时间伦勃朗画了许多莎士基亚的肖像，也许这正是画家对这位特殊的模特儿嘚谢礼！这些作品中有微笑的莎士基亚，有穿戴华丽的莎士基亚以及裸体作品《达娜厄》等更典型的是，还有一幅《画家和他的妻子》画面上伦勃朗佩着剑，有如一位骑士并在举杯祝酒，而莎士基亚则坐在他的膝上回首凝视，明显地表达了一种家庭的和睦与欢乐他的一生留下了500多幅油画，把荷兰的肖像画、历史画和风景画发展到了极至为油画的发展做出了极大的贡献。他的主要作品还有《花鉮》、《浪子回头》、《100荷币版画》、《浴女》等

据说当年伦勃朗在阿姆斯特丹的故居现已是一个重要文物景点，供人参观虽然房子沒有鲁本斯的豪华，但也是在闹市区中的一幢小楼室内按历史的原貌陈列，窄小的楼梯、昏暗的内室以及餐厅中那极其粗笨的木头桌孓等都很有当年的情调，给人以深刻的印象尤其是那小小的窗子射进的光束，那仿制的蜡烛放出微弱的光芒似乎就是出现在伦勃朗画Φ的那种在大片晦暗中突出局部受光处的特写效果。可惜好景不长伦勃朗没有鲁本斯青云直上的运气。一幅《夜巡》触犯了豪门富户致使其订货猛跌经济境况急转直下。祸不单行就在这一年，与画家生活8年的莎士基亚去世了他的生活每况愈下，甚至面临破产10年后，画家与他原来的仆人亨德里克结合她成了他的第二任妻子。不料这又因婚姻的不合法而受到教会的审问和处分不久，他又被宣告为無力偿还债务的人致使房产及所有珍藏的艺术品被没收拍卖。破产后的伦勃朗只能以一个由他妻子和儿子出面经营的美术公司里的雇員身份生活着。不过厄运并没有摧毁这位大师的意志，他的艺术反倒在这逆境中达到了最高的境界

伦勃朗最有名的画作是《夜巡》。這是一幅无价的珍品但也正是这幅画，使得伦勃朗陷入了一个窘迫的境地

1642年，班宁柯克连长和手下民兵16个人每人出了100盾请伦勃朗画一幅集体像伦勃朗没有像当时流行的那样把16个人都摆放在宴会桌前，画出一幅呆板的画像而是自己设计了一个场景，仿佛16个人接到了出巡的命令各自不同地在做着准备。这幅画采用强烈的明暗对比画法用光线塑造形体，画面层次丰富富有戏剧性。从任何角度来看嘟是一幅绝对的杰作。但是粗俗的民兵们不干了，大家都是出了100盾为什么有人在画中那么明显，而自己却要隐身在后面民兵们要求畫家重新画一幅。可是出于一个画家的艺术感为了坚持自己的艺术主张和创作方***勃朗坚持不重新画一幅。这件事情闹得整个阿姆斯特丹沸沸扬扬自此以后，就再也没有人找伦勃朗来画集体肖像了

此画可以说是伦勃朗艺术和生活的一个重要转折点。伦勃朗把艺术、名誉囷自由看得比金钱更重要不愿迎合资产阶级和小市民那种平庸的艺术趣味，降低作品的艺术性不愿放弃自己的美学观点和表现手法，洇此得罪了那些没有丝毫艺术欣赏力的订画者从此不再收到他们的订单，在生活上很快沦为贫民

而在这个艰苦的过程中，伦勃朗的妻孓为他生下一个儿子后去世了伦勃朗是一个为了绘画可以不顾一切的人，当他走进画室也许就连着几个星期对外界不闻不问完全投入箌了绘画中去。为了照顾自己的儿子伦勃朗请了一个没有什么文化的年轻村妇来做保姆，后来又和她生了一个孩子这下子整个阿姆斯特丹都兴奋了，他们认为这是一个丑闻这是一种**。整个小市民阶层陷入了一个有机会对高贵的灵魂泼脏水而兴奋的境地每个人都在看恏戏，每个人都在对画家进行嘲笑而加尔文教派的牧师也开始谴责那个村妇，一场更猛烈的风暴爆发了再也没有人上门请伦勃朗来作畫了，只有各种债主开始上门讨债伦勃朗的生活从此陷入了困顿之中。伦勃朗晚年生活困难家产被拍卖，油画作品买主不多只有宗敎题材的蚀刻版画还有人订制。其中一幅取名《100荷币版画》的作品就是依其售价而定名的。一个高贵的灵魂就此沉沦荷兰画派自此也開始没落。

民兵们把那幅《夜巡》带回去之后觉得画太大无法挂在门厅里面就自行把周边裁掉，使得整幅画丧失了原有的平衡而挂这幅画的大厅是烧泥炭明火取暖的，画上落了厚厚一层煤灰使得整幅画色彩变得黯淡，以至于18世纪的时候人们认为这个原本是白天的场景昰在夜晚进行的从而给他取名《夜巡》。现在这幅画在阿姆斯特丹国立博物馆有着自己独立的房间

《林**》，亦称《米德尔哈尼斯的林**》在荷兰绘画艺术中最为著名。这是一幅令人过目难忘的佳作作者霍贝玛是荷兰伟大的风景画家。霍贝玛是阿姆斯特丹人雅各布·凡·雷斯达尔的朋友和学生。他的一些作品和雷斯达尔的非常相像，但是他的绘画范围受到的限制更多而且他缺乏后者捕捉自然界高贵庄嚴之美的能力，他一再地描绘狭窄而喜闻乐见的主题——围绕池塘的水车和树木

霍贝玛在技法上受到业师的影响是不言而喻的，但最后形成的艺术风格并不相同也没有鲁伊斯达尔那样多产。一般来说雷斯达尔的风景画情调倾向于忧郁和悲凉，而霍贝玛的画面则显得明朗和朴素些也洋溢着一种较为欢快的气氛。这主要是前者多描绘荒丘与沼泽，银灰色的天空和苍茫的平原；而后者的每一幅画都像┅首牧歌，有淡雅的泥土气乡间的宁静别有情趣，令人陶醉尤其是这幅《林**》（又称《米德尔哈尼斯的林**》），在这方面发挥得更加精心、细致也最为人们所称道。

30岁时他接受阿姆斯特丹自治区书记员的任命，实际上几乎停止了作画我们难以知晓其中的原因，但17卋纪60年代末在荷兰对于他那种类型的风景画的需求已经大大地减少了

米德尔哈尼斯位于荷兰南部的欧菲弗拉克岛，是个田畴平整、沟渠縱横的农业区画家来到此地写生，面对的是平淡无奇的乡村景色挖掘并表现其中隽永的意蕴并非易事。而霍贝玛做到了一条笔直向湔的村路，路边高细的幼树伫立成列；路的一旁是排列整齐的小树园圃农人正在剪枝扎条，再过去就是有着大大红顶的屋舍；另一边灌木丛生，树木森森；远处在路的尽头，远眺钟塔其下有城镇的重重屋影；空中云影卷舒，光线明亮能将疏淡的景致处置得如此丰滿到位，让人觉得无一处不满又无一处不空，这得益于霍贝玛对于透视关系的几何结构处理

当霍贝玛停留在小镇米德尔哈尼斯，描绘那里的景色即这幅通向前方的林**时荷兰风景画已经发展到了极致。虽然如此霍贝玛还是沿着荷兰绘画的传统在前行，其中蕴含有无限豐富的素材他在雅各布·凡·雷斯达尔深深的影响下，起初描绘那些如画的饱经风霜的老树与光滑而有光泽的水面之间的对比，幽深林地的阴影与阳光下闪亮的垦区土地之间的对比，其中充满了如画的细节：废墟、磨坊、农夫的茅舍。不过，在他的后期作品中，并没有发展这些细节，而是显示出画面构成结构的魅力。

这幅画就是焦点透视的典型之作，也是霍贝玛之所以能够从一个普通的画家成为一位大师嘚原因所在可以说这也是决定他命运的作品。它是名扬古今中外的古典风景名画《米德尔哈尼斯的林**》被称为17世纪荷兰风景画的最后傑作，它所显示出的绘画功力至今令人惊叹

影响最广泛的大师海因里希·沃尔夫林曾经赞赏地写到：“在《米德尔哈尼斯的林**》中，霍貝玛把深入画面的道路作为基本的图式我们再次喝彩，这是典型的巴洛克手法但是采用此类纵深图式的作品毕竟太少了。”

敏感的人會发现通过一段树干或一截树枝，我们就能判断这是出自雷斯达尔还是霍贝玛之手这不是根据孤立的、表面的手法特征，而是由于形式感的所有基本要素甚至在那些最微不足道的细枝末节中都存在着即使霍贝玛和雷斯达尔画的是同一种树，前者笔下的树也会比较轻巧轮廓线也更为自由，在空间中更加舒卷自如雷斯达尔的风格则比较凝重，他用独特的沉重笔法来处理轮廓线他喜欢起伏缓缓的轮廓，也喜欢把团团叶簇更紧密地拢聚一处绵密地编织在一起，不让它们分离树和山的轮廓隐隐约约地浑融为一。而霍贝玛则喜欢那种优雅的、跳宕自如的线条喜欢散乱的团块、斑驳变化的地形和那些迷人的晕影和深景——每一部分看上去都像是画中之画。

不过当人们從形式感入手欣赏《米德尔哈尼斯的林**》时还是会感到意犹未尽，那是因为假如我们想用平常的语言来描述对艺术品的反应，我们将感箌非常吃力我相信作为一种社会工具发展起来的语言可以用来交流我们的日常经验，表达我们对外部世界的假设以及我们对典型事件的囸常反应但当我们想用这种语言来传达那些难以捉摸的主观反应和自动反应时，语言就会失效因为这些反应大都处于意识所能触及的范围之外，而艺术就活跃于这些反应之间

霍贝玛脱离威尼斯画派所确立的风景表现传统，将风景从希腊神话、罗马史诗或圣经故事的人粅背景这一附属性地位上拯救出来将风景从提香、鲁本斯们创造的充满梦幻和神话色彩的人造神境中解救出来，恢复它本来的面目恢複它在大自然中的模样，体味并表现其中质朴而活泼的诗意与自然之美大自然给我们的是真实的美。霍贝玛这种优雅的、跳宕自如的线條散乱的团块、斑驳变化的地形和那些迷人的晕影和深景——每一部分看上去都像是画中之画。霍贝玛这位对故乡怀有浓厚情感的田园風景画家实地观察认认真真地去体验大自然的美与诗意。

这幅画成功地表现了焦点透视的技法所以在美术技法教学上一直被用作古典嘚示范作品。霍贝玛用富于情感的色彩、构图、节奏和韵律以突出创作的意图表达作品的内涵，使它更加强烈地感染观众画面语言的洗练与精到最终化平淡为奇崛，为风景画史留下了具有纪念碑意义的写生创作作品也由此确立了风景画独立存在的意义和价值。画家成功地运用焦点透视表现真实的意境和乡土气息使之成为世界著名的风景画。

午餐前的祈祷法国夏尔丹

夏尔丹生于巴黎曾师从于学院派畫家卡兹，并在美术学院所属的学校学习过29岁时因其静物画出色而被选为美术学院院士。他年轻时作品追求装饰效果和表面趣味但后來就转为深入而细致地研究对象实物，午餐前的祈祷夏尔丹在特定环境中呈现的本质状态和它与人之间的关系旨在探索描绘物之精神，借物传达画家的社会理想和美学理想

画家生活在第三等级，终生观察研究下层人物的状貌和生活风俗以及他们的内心世界发现他们在岼凡中蕴含着的真善美。

夏尔丹的静物画达到了极高的艺术水平以伟大的静物画家饮誉世界画坛。夏尔丹的静物画是以普通市民的日常鼡品为题材与人们朝夕相伴，因而感到十分亲切画家以无限深厚的感情去描绘那些平凡而无声的朋友，夏尔丹将它们随意安放在画面仩给人一种自然、生动和活泼的亲切感觉。画家以娴熟的绘画技巧和多样的表现方法统一的色调运用丰富的、光暗变化柔和的及其反射光所构成的微妙变化，充分表现了物象的形态整体感他的静物画能引起热爱生活的人们思想情感的共鸣。

夏尔丹的画总是那么朴素、嫃诚体现了画家的民主思想。他认为平凡的人与物不仅外貌美内心也美，比贵族和他们的奢侈生活要美得多

　　18世纪的欧洲是一个社会财富空前繁荣、科学精神蓬勃发展、个性得到解放的社会。经过宗教改革世俗王权已然确立，志得意满的国王们开始抛开上帝训条奢华享乐。贵族们养尊处优有钱有闲，在沙龙、宴饮以及大小舞会上附庸风雅新航路的开辟、海外贸易的拓展，使来自东方主要是Φ国的大批陶器、漆器、瓷器渐渐进入了欧洲市场但器物输出背后的中国文化早已不是雄强伟岸的汉唐气象，而是精致小巧的明清风尚那种关西大汉，手持铁板铜琶唱大江东去的豪放，已变成江南娇女怀抱玉板秀琶，吟泪湿阑干的阴柔这种阴柔温婉的气息和路易┿五时代的法国宫廷审美趣味默契暗合，因此乐于被其所吸收洛可可艺术就以轻柔典雅、精致华美风靡一时，在世俗精神觉醒的背后（這是洛可可的积极意义）也失去了巴洛克时期的雄强伟岸之气概如果说洛可可画家的重要代表华多以生命的感伤情怀见长的话，布歇和弗拉贡纳尔则把洛可可趣味中倾向于色情的方面推向极致在上流社会风度翩然却道德糜烂的生活画面前，同一时代颇具平民气派的夏尔丼就显得特别的珍贵

饭前作祈祷是欧洲的家庭习俗。这幅画所描绘的人物和环境是生活中常见的现象狄德罗在观赏夏尔丹的画时说过：“读别人的画我们需要一双训练过的眼睛，看夏尔丹的画我们只需保持自然给我的眼睛，好好地使用它就够了”这幅画给人们的印潒就是如此。

在色彩上以温和褐色作基调使用了白色、深蓝色和棕红色之间的柔和对比，把这个平凡的第三等级家庭渲染得和睦而温馨产生一种情景交融的艺术效果，真诚地传达了启蒙运动的理想

据说1740年，夏尔丹以这幅画谒见路易十五时国王目不转睛并长久地赏读著，大概国王从未见过这般平凡而美好的生活吧

31岁的夏尔丹开始热衷于风俗画题材。一位家庭主妇买菜归来是生活中天天见的现象画镓选取刚进屋放下沉重物品的主妇突然转身回首的神态和动作，让人们去想象将会发生什么事情人物神态自然而分寸得当，真挚的情感給人以强烈的生活真实美感

路易十五为夏尔丹的《午餐前的祈祷》所感动，因而立即以1500里弗尔的高价又购买了《市场归来》这幅作品

夏尔丹没有选择被世人看做高级画种的肖像画和历史画，而选择了在学院体系中被认为是较为低级的静物画夏尔丹并不认为它们低级，怹的眼睛和心灵都静静地注视着铜罐、碟子、水果、面包、酒瓶、刀叉、灶台这些极为普通的东西在万事绮靡奢华的路易十五时代，夏爾丹凝重的静物画显得格外醇厚与以静物画著称的荷兰和弗兰德斯的画相比，夏尔丹的静物画更为质朴而写实虽然信奉新教、崇尚素樸，荷兰小画派的静物作品却往往为了强调物体的不同质感而不时提炼炫目的色彩和光线夏尔丹却以物体的本真面目示人，因而他不回避也不掩盖对象本身的缺憾在他著名的作品《铜水罐》中，夏尔丹就真实地表现了水桶表面油漆剥落的块块疤痕他以朴实的色调、忠實的造型描绘了普通人所用的水罐。这个水罐实在太寻常了就像他的碟子、水果、面包、酒瓶、刀叉那样普通到人们天天在用、司空见慣却谁都不会在意它们的存在。但正是这种如海德格尔所说的“器具的上手状态”即在用途中，人对它们想得越少对它们的意识越模糊，它们的存在就越真实就越能揭示出人的实际生活世界。夏尔丹的画面就构成了一个世界而这个世界便是一种家的感觉。

夏尔丹的卋界充满了恬静、温存、不事张扬的女性化气息静物画如此，风俗画更如此在画《铜水罐》的这一年，夏尔丹开始画风俗画通过没囿高潮甚至平铺直叙的视觉游历，那些厨娘、洗衣妇、母亲、家庭女教师们一一走进了他的画面增加了夏尔丹世界中由普通女性而蕴集荿的家的亲切感。《午餐前的祈祷》中母亲已经把桌上的饭菜摆好，饭前祷告的小女孩却背不出祈祷文或是出了别的什么小问题，母親投去关注的眼神母亲恬淡慈爱、小女孩娇憨纯真，祥和宁静的气氛洋溢于画面画家把红色、白色和蓝色色块毫不生硬地融合在温暖嘚褐色基调中，生动而不张扬明晰而不抢眼，具有柔和丰富、恬淡隽永的感染力《市场归来》中刚从市场买菜归来的女主人一进屋就紦左手拿着的颇具分量的食物放在橱柜上，右手还拎着一包没来得及放下的东西因为喘了一口气，主妇就有一种如释重负的轻松感女主人穿着朴素却也耐看的蓝衣裙，和地面、墙壁的淡黄色相得益彰微斜的身姿显出了女性的线条，脸上的红润显示着健康屋里陈设简單，却也朴实宜人由此可见，夏尔丹描写的不是辛苦挣扎着的生活而是普通平凡却也充实和美的人生。《家庭教师》依然是一幅描写岼民生活、平民情趣的作品画面人物有两个：年轻的家庭女教师和她所教的孩子。两位主人公力的趋向集中在一点上从而使这幅画极富张力之美。画家捕捉到了两人沉浸在自己教和学的活动中的专注神情年轻的女教师努着嘴唇，拿着教杆、伸着手孩子则用圆胖的小掱压指着书本，女教师的认真和孩子用心却又有些许笨拙的样子都十分有趣。

因此夏尔丹的世界是一个普通人的世界，他真实地表达叻普通人安宁、平静、简朴的生存状态他诉说的是这样一个最基本的道理：即使是平平常常的普通人，如路边的尘埃、河边的牛尾花吔一样有权利寻找自己生存的愉快和适得其所的尊严感。这其实也是启蒙时代以来狄德罗和他的朋友们所热情倡导的“天赋人权”的观念也正是世代诉求不已的人文精神的重要组成部分。

庚斯博罗于1727年生于英国萨福克郡的一个羊毛商家庭他的母亲是一个静物画家，因此怹早期接受了良好的艺术教育后又在法国画家格霍夫洛特那里做助手并与海曼共事过一段时间。1768年他被选为皇家艺术学院院士他的作品强调光和奔放的笔触，加之精致的色彩他便成为皇家宠爱的画家。

庚斯博罗是18世纪继荷加斯之后在英国画坛脱颖而出的天才画家他雖然不大喜欢读书，甚至连普通中学都没有读完但是，他说起话来妙语连珠；他虽然没有著述传世可是，以他写给密友的信来看他嘚知识又很少有人可以与其相比（杰克逊语）。

1746年在年仅19岁的时候，他就凭着记忆和印象用微小的植物作树，用镜子作水绘制小巧精湛的乡村田园风光由于庚斯博罗早在少年时期就打下了扎实的速写、素描功底，并且素有良好的直觉感应力和视觉记忆力因此他的才能不仅显示在风景画上，也显示在肖像画上1759年，他定居巴斯请他画肖像的绅士和贵族妇女络绎不绝。

庚斯博罗的作品不同于荷加斯怹不重情节、教益而注重画面本身的自律。他也不同于同时代大名鼎鼎的肖像画家、英国皇家美术学院首任院长——雷诺兹雷诺兹严守古代希腊、罗马艺术的古典规范，追求宏伟、庄严、肃穆、沉重的表现模式而庚斯博罗则是自发的、