杜菲（20世纪法国绘画大师）_百度百科
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?20世纪法国绘画大师
（20世纪法国绘画大师）
杜菲(年)作为20世纪初叶现代绘画史开端的野兽主义成员之一，是一位多元化创作的。除绘画之外，他的艺术领域扩展到挂毯、壁画、布料图案设计及陶瓷创作，活泼的曲线运用，成为崭新流行设计的先驱。
杜菲人物简介
杜菲 (年)出生于的，逝于弗卡尔基埃。杜菲14岁时打工，业余上夜校，23岁时获得一笔可观赴波拿巴路美术学院入博纳画室学画。那时大师们的艺术令他害怕，真正和他商讨艺术的是凡·高。当他1905年看到了的《华丽·宁静与快乐》一画时说道：“在这幅画前我懂得了全部绘画道理以及它存在的意义，看到和色彩所反映出来的神奇想像力，的写实主义失去了对于我的魅力。”从此他放弃了早期风格成为野兽派中的一员大将。
31岁的杜菲开始为以构成对待物象形体的观点所吸引，他与布拉克一起研究构成，他们以形体构成为主，所有形象都被几何形化。另一方面他们又引进立体主义分析性构图，其色彩也仅限于土黄、蓝绿与灰色。这只是一个短暂的实验而已，很快又回到喜爱的装饰性色彩和精致的结合的画风中去。[1]
杜菲夫人画像
杜菲性格特点
杜菲是位快乐的，他愉快地观察、想像和创作，从不放弃感觉世界的真实性，他能通过作品描绘自己内心的活动。他以大量的方块、长方形、三角形和卵形，意到笔随地组织和展现观察的魅力。在他的作品中，所有的物象都具有清晰的轮廓、动势和节奏，但又都是艺术的真实，而非自然真实。通过线条和颜色，直接向我们传达他的个性和感情。他的画不是通过所画对象本身去诉说，而是通过再创造的艺术形象感染观者。
杜菲从不看重荣誉，他只是一个为画画而活着的，他以其对现代艺术的贡献受世人注目。
画家与模特儿
杜菲家庭背景
杜菲1877年出生于一个清寒的大家庭里，父亲替别人经营一家金属商店，靠菲薄的收入养活八个孩子。母亲没有工作，艰难地担负起全家的家务活。杜菲的父亲酷爱，经常弹奏，一家来到哪里，哪里就充满了音乐。自然，成了杜菲的终生至爱和重要创作题材，从音乐中得到了无限的灵感和自由的想象。为了养家糊口，杜菲十四岁时便被迫到一家咖啡店里去当一名低级雇员，经常被派遣去码头、港口干一些粗重的体力活。繁重的劳动并没有压垮他乐观的天性，后来他在回忆这段往事时说：“我闻到那种气味，就说得出这船是从、还是来的，而且这一点还激发了我的想象力。我在桥上或曾为那射向河口湾的独特灯光而欣喜若狂……。”①（注：参见著《世界家画库——迪菲》，上海人民美术出版社，1986年版。）港口、码头、大海，这些都成为日后杜菲作品中得心应手的表现题材。
有窗户的室内
杜菲夜班研习
年轻的杜菲为这些五光十色的生活印象所驱使，按捺不住要描绘它们的激情，1892年，十五岁的他走进了故乡的一所艺术学校，为了凑足学费，他不得不白天打工赚钱谋生，晚上加入夜班研习绘画。传统的训练方法和教师的严格要求使杜菲在艺术学校中打下了坚实的学院派功底，很快，他就能用寥寥几笔线条，娴熟地勾画出对象的特征。付不起房租和模特费，他就与码头工人挤在地下室，以父母、亲朋为描绘对象。天气晴好的日子，就在上、海滩边、乡间小道、农舍庭院竖起画架，描绘故乡那令人欢愉的景色。这时，他那自由的想象力以及捕捉自然生动变幻的才能便显露了出来。
杜菲野兽派时期
1900年，绚丽多姿的画坛迎来了杜菲。此时的杜菲，学院派绘画技巧已掌握得炉火纯青，但他那种不囿于成法的创造精神，却与学院派的教学准则格格不入。在此后的许多年里，杜菲经常对学院的教学持怀疑和保留态度，他认为“真正的总是在官方组织的范围之外工作，学院这种完善体系的教学与造就艺术家及鼓励艺术家的独创精神往往是不相关的”。年间，受印象主义思潮影响，杜菲热衷于露天的绘画和对光与色的研究，描绘市街和海滨等热闹场所，手法明显带有痕迹。但他逐渐认识到，以这种的手法来做画，却找不到真实的自我。他问自己：仅以现在我所有的，我如何能表现出对象是什么，而不是我所看的外表？在我之前存在的是什么，是我的实在吗？1905年的独立沙龙展上，的新作《奢华、宁静与喜悦》带给杜菲思想很大震动，这幅画向他展示了“坚持绘画与色彩绝对想象的奇迹”。这样，杜菲走到了自己的野兽派时期。
在蒙梭内的房子
杜菲立体主义
跃升为野兽派代表并没能阻挡住杜菲探索的脚步，他悉心观察研究树木、物体、人像的几何结构，着力表现它们外观和体积的多样性，开始在立体主义的道路上探索。1908年，杜菲与布拉克在曾工作过的伊斯台克并肩作画，创作了《绿树》、《拿波里坦的渔夫》等作品，形象质朴，偏几何化，色彩冷峻、节制。立体主义也没能让杜菲驻足太久，他从不为任何创作模式所束缚，正如他自己所言：我不追随任何体系，当创作的时刻到来时，大家遵循的法则就被抛到一边去了。通过不断的艺术实践，20世纪20年代后，杜菲的作品愈加不同凡响了。他常以大片大片的色彩覆盖画面，有时颜色涂得跑出了形象之外，有时候又没涂满，色与形互不干扰，还能彼此呼应。这种独特的处理方法也被许多人名之为“杜菲样式”。这一时期，杜菲的艺术走到了最高点。代表作有《》、《》、《》、《交响乐队》等。
坐着的裸体
杜菲色彩简化
在生命的晚年，杜菲开始简化他的绘画。他放弃了对比，代之以统制整个画面的单一色调，辅之以小块相关的灰色，色彩极度简化，但依旧充满了张力。临终之际，他还在不断探索，他对一位老友说道：“我还想去试验那些传统教我们排拒的那些色调的对比与调和，看看它们到底是怎么一回事。”
纵观杜菲的艺术漫长的历程，我们就会发现其实很难给杜菲纳入一个固定的流派中去，这可能也是自己的愿望，因为伟大的总是想获得最大的自由发挥空间，永远也不想画地为牢。杜菲在少年时期已经可以把古典主义大师传下来的精妙写实技法掌握得炉火纯青，但他并没有为此而沾沾自喜，又先后游走于印象主义、后印象主义、野兽主义、立体主义等等，直到创造出独特的“杜菲样式”，迎来艺术生涯最辉煌的时期。然而杜菲并没有停下追寻的脚步，他从东方艺术中汲取营养，纯化色彩，简化构成，风格又为之一变。除了绘画以外，他还绘制壁毯、烧制、设计服装，在艺术的天地里自由地翱翔。
杜菲人物评价
杜菲曾被誉为光与色的大师，他对色彩的驾驭真正达到了随心所欲、自由挥洒的境界。19世纪中后期，、等们不满足古典主义画家对光影与色彩一成不变的描绘，开始走出室外直接作画，寻找大自然中最真实的色彩，使色彩获得了前所未有的解放，人们也第一次从印象派画家的作品中领略到了大自然真实色彩的魅力。其后以为代表的新印象主义则是对印象主义的修正和科学化，把印象主义现场作画的冲动与兴奋拉回到了理性的轨道，利用来指导绘画实践。
印象主义和新印象主义对于色彩的探索较之古典主义无疑是前进了一大步，但仍局限于对客观世界色彩的真实描绘，受到所描绘对象的严格制约。直到后印象主义时期色彩才被真正解放了出来，们对色彩的描绘不再拘泥于客观的真实，而让色彩更多地遵循自己的主观感受。杜菲继承和发扬了后印象主义在色彩上的成就，他认为“当我谈到色彩时，那不是自然的色彩，而是指绘画的色彩，指在我调色盘上的色彩，其实色彩乃是光线的产物，它是绘画构成中最伟大的产物。
如果只把色彩看成天然色，那是不能真正的、深奥的、出色的绘画满足感。”①（注：参见何政广著《杜菲——描绘光与色的大师》，河北教育出版杜，1998年版。）在他的笔下，色彩仅仅作为可供自由调遣的工具而已，根据自己的主观感受和画面整体的需要，灵活自由地调配、驱使。例如杜菲对热闹繁忙的街市景象和海滨游乐场所的描绘，通常会减弱画面空间的表现，更注重景物的平面化和色彩的纯化，删繁就简，突出对象的单纯、庄重和色彩的鲜艳生动。
1906年，杜菲创作了《哈维尔的七月十四日》，描绘国庆日热闹非凡的街道景象。同一地点的同一题材也同样为、、等人描绘过，但杜菲的作品与之都不相同。杜菲笔下的国旗不再是空中的小色点，也不是用来表现那种热闹混杂印象的微妙小色块，更不是用来表现其灵魂深处骚动的强烈冲突的红与蓝之创痕。它们是纯粹色之自由的安排，以其出人意料的庄严，毫无顾忌的自我肯定。为突出欢乐的气氛，杜菲毫不迟疑地打破了一切比例原则，将背景的旗子放大好几倍，因而使得那红白蓝的配合有一种抒情诗的气质，它们也就成为画面的“主角”。其后所作的《日影》，他更是大胆地将一大块红色放在整个画面中央，自由自在，毫无顾忌。
杜菲作品风格
杜菲对于描绘对象形体的塑造也非常独特，在他的众多作品里，无论是人物、景物还是静物，大多都没有真实、细致的描绘，往往都是用简单的线条草草勾勒而成，像是仓促而就的速写。这些线条看似简单，实则精彩异常。一点一画之间，并不追求对象的形似，而是将重点放在与对象的神似，强调对节奏和韵律的把握，营造画面整体的氛围和气韵，这一点和东方艺术暗合。这些看似不经意的点点画画，酷似中国的草书带给人的那种行云流水、龙飞风舞的轻松与潇洒之感。例如杜菲的《交响乐队》描绘了一个由数十人组成的交响乐队在厅演奏的场景，画中每一个乐手都被简化成了几根卷曲流畅的曲线，五官更是只剩下几个小黑点，音乐厅的墙壁和地板则由几根长长短短的直线构成，可以说几乎简到了极致。然而放眼观看整幅画面，又分明是一派繁忙的景象，点、线、面仿佛突然着了魔力，幻化成一个个跳动的音符，又好像是众多快乐的小精灵，在厅里、在天地间自由地舞动，喜悦之情跃然画上。
在许多笔下，形和色是互相依附、互相制约的，而在杜菲这里，形与色各自仿佛都有了独立的意义，既相互影响又能够各自自由发挥。杜菲作画时一面用速写式的笔法准确地勾勒出场景和人物的动态，一面根据直观的色彩感受用稀薄的颜料在画面上平涂渲染几个大的色彩区域，在杜菲的画面里色和形没有明确的分界线，有的外轮廓线藏在色块里，有的色块又溢出形象之外，色彩与线条交互为用，互相衬托但绝不互相制约。这种独特的创作手法也被一些艺术评论家称为“杜菲样式”。“杜菲样式”给形与色以最大的自由度，使它们既能够充分展现自身的特质，又能够很好地融合到一起。
同时，这种表现手法还能够真实地记录下对描绘对象最生动的形体感受和最新鲜的色彩印象。杜菲的很多作品看上去好像都处于一种“未完成状态”，画面上的一些区域常常裸露空白的画布，不加任何处理，作品中的物象，看上去也仿佛不是固定的，而似乎仍颤动不定地在寻找它们最后的定型。这种“未完成状态”使得带给观众非常轻松随意的感觉，欣赏者在感受创作者的轻松状态时自己的身心也能得到极大的放松。对于画面空间透视问题，杜菲处理得更为大胆，他曾把两只鸟画得比人物还大，但人物看起来却并不比鸟离我们更远。换言之，当他在建构他的空间距离时，他所考虑的并非是一种“客观事实”的存在情况，而是他的感觉和印象。他所赋予物象的，是它们在他心中所占据的位置和份量。
杜菲的作品
对于自由的探索和生之喜悦的表达，使得杜菲不会只局限在绘画这一小圈子中。他对于各种知识的涉猎极广，对于来自民间的和异国的各种独特的艺术形式，都怀有近乎虔诚的深切爱好，而对于现实生活中层出不穷的发明创造和新鲜事物更是充满了探究的热忱，这使得他的作品无论在内容上和形式上，都达到了比之同时代更为广阔和多样化的程度。1911年以后，他绘制了大量的、、烧制陶、设计彩色纺织品，为池、动物园、艺术宫等建筑物作壁画和室内装饰，为舞台剧绘制背景，为作家创作……，甚至设计流行服装，在应用的范畴中几乎无所不包。以致有人把他称为“我们这个世纪的编年史家”。
．国际在线，话语广播[引用日期]西方现代美术_百度百科
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西方现代美术
西方现代美术，是指从19后半叶印象派开创现代美术开始，发展至今的各个流派，如野兽派，立体派，未来派，达达派，表现派，超现实主义，抽象主义，波普艺术等派别所呈现的西方现代绘画、雕塑、建筑的美术面貌的总称。
西方现代美术情况简介
所谓西方现代美术，是指西方国家从二十世纪初发展起来的现代美术中某些流派：、、未来派、、、、和的统称。“”一词是和某种新的，非传统的，区别于过去的艺术思想联系在一起的；现代派美术既不同于以往的传统美术，也不包括现代的各种流派，它与现代的西方美术更不是同一概念，它在其中只占一席之地。
人类社会进入的发展阶段，现代工业文明改变了人与人之间的关系，也改变了传统的生活方式，加速了生活节奏。美术作为商品走进市场，给艺术发展带来激烈的竞争。 现代科技的发展改变了人与自然的关系，人类的眼睛延伸到宏观与世界。因此现代艺术家必然要创造和选择新的去表现自己所认识的新世界。现代哲学直接影响现代美术创造，的唯我主义的思想、观点导致认识上的直觉主义，这使艺术家的天才和灵感升华为艺术创造的根本。尔后的尼采、对人的精神领域又作了全面的分析和揭示，又成为现代艺术创造之源泉。柏格森“非理性主义哲学”是对现代工业文明带来的负面和传统价值观的彻底否定和背叛，从此艺术不再是客观世界的反映，而是主观世界的表现 。
西方现代美术产生和发展
现代美术的产生和发展是沿着必然规律运行的，自远古产生始就注重实用、物质性的再现，经历不同时代的发展和完善，到欧洲时期已达高峰。当照相术发明，再现的绘画已被摄影部分取代，绘画必然另择其路，由再现走向表现，由写客观物质的形态走向表现画家自我内在精神为追求。绘画自产生起就以为别人服务为宗旨，原始社会为实用，后来为神、为人的生活、为政治斗争等服务。西方艺术家宣称他们不再为谁服务，艺术就是为完善艺术自身而独立存在。因此艺术的价值观与传统决裂了。所有这一切都是随着社会发展、思潮的演变，缓慢地由量变到质变的。现代美术的发端是从印象派开始的。
西方现代美术流派分类
西方现代美术印象派
印象派的出现是西方艺术划时代的里程碑。为了表现自然界丰富的瞬间即逝的光和色的变化，它忽视或否定了客观事物的内在本质，更是破坏或放弃了西方几千年完善起来的严谨造型，因此衍生出后来一系列的反叛画家、画派。首先起来与传统决裂的是，他要创造一种绝对的绘画，它不再是客观事物的模仿，而是注入画家主观解释的永恒性的形体和坚实的结构。同时还有画家高更，他从强烈的主观出发，对客观事物获得的印象和感觉加以分析、综合，创造出一种突破时空制约的具有象征意义的绘画。而荷兰人用明亮的色调与颤动奔放的线条传达了炽烈的思想，他们共同开创了西方现代美术之先河。从他们的理论派生出尔后的众多现代流派。
西方现代美术立体派
一部分追随塞尚的画家们确认画面的经营构造是画家的能力和权利，画家是画面的创造者，应该像上帝一样任意去安排画面，形成了以为代表的。认为绘画不应该作自然对象的奴隶，也不应仅是画面的精心构造，而必须表现画家的心情意志，必须是画家内在情感的外在图像，从而诞生了法国的和德国的。俄国人纵览了这一画坛变化之后认识到，绘画已不是靠着物象的支持，而是靠色彩、线条与形状主宰整个画面，是这些绘画的元素赋予了画面生命与美，是他第一个创造了。上述几个流派都是对艺术作出思考后的探索表现
西方现代美术达达派
当艺术家面对社会和现代物质文明进行思考后，得出的结论是传统已经过时，现代是不完整不健康的，产生了破坏一切、打倒一切的，他们希望在纯粹空白的基础上建立一种新文明。当艺术家面对人生时，人的意识被过多的概念装饰得已经不真实了，唯有潜意识领域才是最真实的领域，这个领域从未被表现过，画家着意于这个精神世界，创造了绘画，这种绘画以表现反逻辑常理的物象组合展现一个鲜为人知的潜意识世界。
西方现代美术美术中心
第二次世界大战后现代美术中心由法国巴黎转向美国纽约，又开始了一个新的探索和，更多地是以注重观念改变为特点。50年代兴起，只重绘画行为过程而不注重画面结果的行为绘画，体现了美国人自由创造的活力。当人们不满于偶然的发泄和主观对绘画的恣意所为，转而崇尚让画面自为地发挥出它的全部潜力，于是就出现了大色域绘画、极少主义绘画、硬边派等，这些艺术多以冷静、简单的大色块布置画面，不掺任何感情的表现。60年代登上画坛，首先风行美国，它使艺术与现代文明互相渗透，让艺术成为更为普及的交流手段，与现代人的生存息息相关。自70年代后，现代美术完全进入一个多元化的格局，艺术家在更广泛的层面上探索艺术和艺术表现,自此以后再无风格流派可寻，可谓一个人一个派，花样翻新、层出不穷，从此西方美术走进一个远离常识世界的无尽的大千世界。
西方现代美术工具论
工具论的主要观点在于强调美术教育的教育性价值，即把美术当作教育工具，认为通过美术教育可以促进儿童的生长和发展。工具论重视创作过程，忽视创作结果，在教学方法上主张顺应儿童的自然发展，并以分析儿童的成长特征为评量的范围。工具论的这种观点与的进步主义教育理论及19世纪末20世纪初的进步教育运动有着直接的联系，了解杜威的思想将有助于我们更全面地把握工具论。
教育思想基础
杜威的教育理论是工具主义美术教育观的主要思想基础。杜威（JohnDewey，）是美国实用主义哲学家、教育学家和心理学家，他把自己的哲学称作“工具主义”或“实验主义”。在杜威看来，无论是正式教育还是非正式教育，实际上都在进行经验的改造，而改造经验必须与生活紧密结合，且能促进个人生长，因此杜威认为“教育即生活、生长和经验改造。”只有真实的生活才是身心成长和经验改造的正当途径，因而要把学校变成一种有控制的特殊社会情境，把变为儿童活动的乐园，教师的职责不再是传授知识，而是引导和指导儿童参加诸如手工作业、现场参观、表演节目、、测画图等活动，让儿童在活动中由观察、接触、操作、 实习而直接接触各种事实，获得有用经验，即“从做中学”。杜威摒弃了分科教材，反对传授各科知识，认为学校科目相互关系的真正中心不是科学，也不是文学，……而是儿童本身的社会活动。在杜威的教育观中，儿童得到极大的重视和强调，教育的一切措施都围绕他们组织起来。杜威曾经指出，“儿童是起点、是中心、而且是目的。儿童的发展和儿童的成长，就是理想教育之所在。对于儿童的生长来说，一切科目知识都只处于从属地位，它们是工具，它们所以服务于生长的各种要素，不是知识和传闻的知识，而是儿童的自我实现。”从这句话中，我们可以明显地看出工具主义美术教育观的思想基调。工具论者把美术教育当作儿童自然发展的工具，美术教育的根本目的是促使儿童自然发展；美术教学要根据儿童的兴趣和本性，教师不应有过多的参与或指导，在美术课堂上，儿童可以随心所欲地进行美术活动；在教学计划中，美术可以与别的科目相结合，很多情况下成了服务于其他科目的附庸。工具论的主要代表人物是赫伯特.里德（HerbertRead）和维克多.罗恩菲德（ViktorLowenfeld）。
里德的美术教育观
英国著名艺术教育家、艺术理论家和评论家赫伯特.里德提倡通过美术教育促进儿童人格成长，他认为儿童具有许多与生俱来的潜能，并有不同表现类型（依思考、感情、感觉、直觉，将儿童分为八种表现类型），美术教学应该按不同类型分别予以指导。
西方现代美术现代派发展史
如果说现代派美术引领了西方乃至，那么引领现代派美术的无疑是这三个人，法国画家，和荷兰画家。
现代派美术发展史1905年，以为首，弗拉曼克等人为骨干力量的野兽派在巴黎诞生。他们从塞尚的作品中得到启发，在艺术形式深受高更和凡高的影响，用强烈的色彩，奔放粗野的线条，扭曲夸张的形体，来表现对客观世界的主观感受。与此同时，德国表现主义应运而生，他们否定现实世界的同样一味追求艺术家本人的主观感受，但是他们并不注重于纯形式的探索，而是把绘画语言视为反抗社会西安市，宣泄不满的手段。
两年之后，以，布拉克为首的立体派在巴黎出现。它先把一切物象加以破坏和肢解，把自然形体分解为各种几何切面，然后加以主观的组合，甚至发展到把同一物体的几个不同方面组合在同一画面上，借以表达四维空间。
自立体派之后，欧洲本土上各种新理论新观念纷纷涌入，于是，未来派在1909年以的姿态与意大利出现。他们排斥过去作为绘画手段的情调和预期的趣味，称颂有的形式，在主题上也否定老一套的东西，认为重要的应是描绘现代的都市生活，诸如钢铁，速度，剧烈的运动等等。
未来派之后，意大利有出现了画派。在形而上绘画中，钟表的指针和塔上的小旗都呈状态，一切都是静止的，笼罩着神秘的沉默，其目的就是要把事物从日常的伦理中分离开。形而上绘画具有超现实主义的成分。
第一次世界大战给欧洲各国留下了极为惨痛的创伤。一批青年艺术家出于对社会的强烈不满，发表了《达达派宣言》。达达派由于对人类原有的一切感到厌恶，所以要否定一切，破坏一切。在艺术上，企图摆脱一切古代传统文化艺术，否定一切传统艺术的造型观念和造型规律，一怪诞荒谬的形象表现令人难以理解的事物。
1924年，有法国医生兼诗人，原达达派骨干分子布雷东出面组织成立了超现实主义派。他们依靠所谓自动记述法，利用图画象征，造型隐喻，改变环境等手法，表现荒谬，混乱的感觉和形象，构造了许多变形，幻想，魔术般的。
1901年前后，经过多年侨居德国的俄国画家，荷兰画家等人的数年摸索，抽象主义终于形成。艺术家摆脱造型艺术再现视觉感受的传统，把点，线，面视作自主的表现力愿素，使之变成有象征意义的符号，从而把艺术家的情感传达给观众。二战后，美国动作画派的创始人开始转向。他不用笔画，而是在画布上乱撒颜料；画面上没有任何具体形象和生活内容，只有斑点状的东西扩散开去，从而超越了有框绘画的狭小范围，是画面具有一种无限空间的感觉。
进入六十年代，抽象表现主义更加趋于形式化，于是有的艺术家反其道而行只，从“极端抽象”转入“非常具体”——转向生活中实物。着就是始于英国尔后风靡美国的波普艺术（也称流行艺术）。
我所要用确立的，是想干什么就敢干什么的权利——高更
高更的这就话可以说是现代派作家最好的注解，现在看来现代派美术在总的倾向上可以说是观念至上，正因为如此，它很难理解，相当数量的作品画面模糊，变形，甚至荒诞离奇，令人不可思议，表现了部分流派的艺术趣味和颓废思想。但这也正证实了艺术之所以为艺术的原因所在。假如太容易理解，在一个简单的水平上被理解之后，也就消失了，只有在涵义未能穷尽的时刻，艺术才最具有生命力。事实是，无论何种有预见性的理论，都无法穷尽现代派美术费解的存在。最有意义的艺术应该是以观念为基础的，理所当然的还应该同时有心理上和情感上的内容。一般而言，在艺术上的表现主要地反映在内容上，而后才逐渐影响到一些形式。现代派美术中的之间的关系更加微妙。
尽管现代派美术多以自我为中心，热衷于自我表现，但是它在探索人类和创造的无限可能性方面所取得的成绩应该值得肯定，单就这种求知的热情和探索的勇气来看也值得肯定，因为任何发展方向上的努力都比踏步不前更为可贵。人类整个的艺术发展史业已证明，关于艺术的所有简单化的都是立不住脚的，现代人虽然并没有享有完全的艺术创造的自由，但在某种程度上仍掌握着选择的自由。
正是这些现代派艺术家通过创作体现他们的叛逆性格，强调自身的价值，表现艺术家的主观心灵，也创造了不少值得我们借鉴的艺术表现方法和新材料。从此美术走入了一个更加个性也更加灿烂的年代。
西方现代派小说中的以丑为美、以恶为善的风格，故意颠覆传统、深刻探索人类命运的主题在他们的作品中也缺乏真正的表现。
他们为自己的艺术主张奋斗，忠于自我，蔑视传统，其实这就是他们对这个世界交出的答卷。在西方现代美术中，美与不美，真实与不真实将不再是重点。重要的是每种事物都有存在的理由。世界为什么必须只有一种美术？于是“现代派”们用自己的作品来加以反抗。创作形式令人眼花缭乱，现代美术形态呈现多元化。这是艺术家对个体精神的追寻与探索。他们通过各种形式颠覆传统，为的是更好地表达自己。个体在这里得到淋漓尽致地发挥。 虽然世界变得越来越小，但保留的努力仍然与日俱增。觉得有一句话用来描述西方现代美术的这场探索十分合适，“艺术，记录时代状态的最真实的形式，反映着人类对统一性的需求，也反映着对多样性的同样巨大的需求。”
因此 在现实生活中没有合理和不合理之分 只要心中拥有那种思想和信念.拥有对个体精神的追寻与探索的向往,就是合理的。还是的那句话 。
西方现代美术立体主义
人们以立体主义这一称呼来给毕加索、布拉克、和莱热在1907年到1914年期间的艺术探索性创作命名。评论家沃克塞尔在他为布拉克画展撰写的评论中使用了“立方体”，“立方体的古怪”一词，从此立体主义正式登上画坛。立体主义画家的探索起于塞尚的理论和创作实践，他们把塞尚的“要用圆柱体、圆球体、圆椎体来表现自然”这句话当着自己艺术追求的理想。实质上这是20世纪初工业文明、机器时代的社会现实在画家精神中的折射反映。
立体主义的代表画家是毕加索和布拉克。毕加索曾说过：“当我们搞立体主义时，并没有搞立体主义的打算，而是要表达我们身上的东西。”布拉克则承认：“立体主义，或者不如说我的立体主义，乃是我所创造的，为我所用的一种手段，其目的在于使绘画符合我的天赋。”他们两种气质的结合，又通过格里斯和莱热各自的努力将它们重新结合在一起，这就形成了有活力的立体主义。
立体主义在发展历程中共经历了三个时期：年的塞尚时期；年的分析立体主义时期。他们首先打破了传统绘画中只能按照一个固定视点去表现，然后安排在同一个绘画平面上的方法。随着探索的发展，他们发现这样的“分析”往往使画面越来越失去本来的形态，而陷入一种抽象的形。因此从1912年到1914年他们进入了“综合立体主义”时期，其观点是：不要去描绘客观物体的外表形态，而是把客观物体引入绘画，从而将表现具象的物体本身和表现抽象的结构形态综合起来。
立体主义画家并没有系统的理论指导，只是每个人按着自己的思想去探索。毕加索说：“我要按照我的想像来作画，而不是根据我所看到的。”布拉克也说：“画家并不想构成一件奇闻轶事，而是要造成一种绘画的事实。”
立体主义的产生也是美术自身发展的必然。在传统绘画中只依看到的客观自然作画，所表现的只是自然的一个局部和一个片面，随着现代人的现代生活变化：客观与微观，速度和多变，机器对人的制约，这就要求绘画要表现这多样复杂性；古希腊柏拉图关于几何美的观点及塞尚着意描绘事物的结构、永恒性的观点加之非洲黑人雕塑的启迪，这就导致立体主义艺术的产生。
西方现代美术代表作品
《亚威侬少女》
20世纪初法国画坛发生了一系列的变化：1905年秋季沙龙展出野兽派的作品，同时期在塞尚美术馆和1906年举办纪念这位大师去世的展览，这些与传统决裂的作品展对毕加索和一大批富有探索精神的青年画家具有决定意义的影响。
1907年的春天，毕加索将所受的各种影响汇成一体创作了划时代的《亚威侬少女》。创作这幅画的动因是画家在偶然机会参观了巴黎人类博物馆时，被非洲土著人艺术，特别是黑人雕刻那种简练朴素、怪异和粗犷的造型所吸引，从中获得了灵感，开始了他的“黑人艺术时期”的创作，但塞尚后期作的那些《沐浴》女裸像也给他以具体的灵感。
在这幅画中没有统一的构图，色彩呆板生硬，指手画脚的人物没有了体积感。画中少女们变了形的脸，正是毕加索探索伊比利亚人和非洲黑人雕刻的结果。来自各方面的影响使这幅画有点折衷和自相矛盾，画家企图把几何形体化了的人物和封闭背景的几何形体结合起来，但整个构思、画面形象和空间处理都宣布了现代绘画的一个新方向——立体派的艺术已经诞生。
《奥尔塔·德埃布罗的工厂》
毕加索对塞尚的研究发现：“塞尚并没有真正地去画苹果，他画的是这些圆形上的空间的重量。”在结识布拉克之后开始了分析立体主义艺术的探索与创作。这幅工厂风景正是分析立体主义的成果。
这幅画中把空间物象分解成许多几何形体并进行了必要的重新组合，排除了传统的透视观念和画法，却得到了新的统一的“三度空间”：即通过视觉幻象冲击观者的视力而引起一种情感反应、想像、回忆和感受。画家以其简化单纯的手法综合概括地描绘物象。“分析立体主义”是以理性主义为依据来分析一切事物的形体，故能创作出仍然符合客观真实但又不同于客观真实的艺术形象。
《三乐师》
20年代初毕加索在重新运用一种古典主义的、不朽的、色彩有力地变化风格创作的同时，又探索一种以鲜明的色彩、平涂的手法、几何抽象的形象组合进行立体主义风格的创作。画中三个乐师以几何抽象色块造型、平面化构图、平涂手法制作。作品的主题是欢乐的，同时又有一种肃然庄严的气氛。
《格尔尼卡》
日，德国法西斯空军为试验炸弹的威力轰炸了西班牙巴斯库的一座小镇格尔尼卡，使二千名无辜人民丧命。这一事件震撼全世界，也震动了画家毕加索。他创作了这幅巨画，抗议德国法西斯的暴行。
画面形象的象征意义是：公牛象征残暴的法西斯；马象征悲惨的人民大众；马头上方是一盏代表“夜之眼”的电灯在发光，画中还有惊恐的妇女，高举呼救的双手。画里没有画飞机炸弹，却充满了恐怖、死亡和呐喊。画的背景布满黑暗，那盏光明的灯照射着这血腥的场面，好似一个冷酷而凶残的梦魇笼罩着全画。画家以黑、白、灰三色为色调对比，强烈中有和谐，运用具象与抽象和超现实等手法结合创作而成，具有结构严谨、主题鲜明的浪漫主义精神气质。
布拉克 (年)
乔治·布拉克出生在巴黎附近的阿根托尔，父亲是位业余画家。18岁的布拉克来到巴黎住在蒙马特的一所陋室里画画，两年后进入国立高等美术学校博纳画室学习，深受普桑、柯罗和印象派艺术的影响。1906年开始转向野兽派的新绘画。1907年认识了毕加索，从此他们共同探索新绘画，他是与毕加索同等地位的立体派创始人，也是本世纪唯一经历野兽主义和创立立体派的画家。
1907年巴黎展出塞尚的艺术作品，这给布拉克很大的刺激。塞尚的“以圆椎体、圆柱体、球体来处理自然物体”的观念，深深烙印于他的心中，从此他放弃了野兽派的色彩，而以土黄、浅绿、灰等色彩描绘几何造型的画面，当他的作品在沙龙展出时，当时的评委马蒂斯说“这是立方体的堆积”。评论家沃克赛尔写道：“他轻视形态，将风景人物、房屋，一切都变成了几何形与立方体。”从此，立体主义就成了画派的名称。
布拉克与毕加索志同道合地共同探索创造新的绘画形式，拼贴和集成法在两人的作品中相继出现。第一次世界大战布拉克应征入伍，战后继续作画。后来逐渐脱离了早期立体主义的刻板式，几何语言经修改变更为比较自由和轻描淡写的形式，色彩朴素而又协调，画面上适度折衷自然主义的情趣，平静和谐而优美，构成一种新的艺术境界。
《埃斯塔克的住宅》
1908年布拉克与杜菲一起到塞尚的故乡埃斯塔克画风景。他一扫过去奔放的色彩代之以灰褐和灰绿色调与抽象的几何形体描绘自然景色，开始了他立体派的绘画探索。
《二重奏》
布拉克的艺术探索在1930年前后又发生了变化，笔下的线条不再是僵直的，曲线更加感人，形象尽量减少立体感。他在1935年说过：“我发现自己在世界本身的几面镜子中记录下了世界的影子。”对于世界，他则努力在其生活深处，从整体上去给予理解，而以剖面和它们在平面上的投影来表现对象，增加感觉的角度，使形状的轮廓变得流动弯曲，有摇晃之动感。色彩变得普通，单纯中有细微的变化，白色能发出声音，褐色有了生气，黑色发出闪亮，紫色变得透明，他的线条优雅洒脱，这些艺术特征从这幅《二重奏》中可以领略。
格里斯 (年)
胡安·格里斯出生于西班牙的马德里，逝于法国塞纳河边的布洛涅。
格里斯早先在西班牙入马德里美术与工艺学校。17岁时来到巴黎，他申请入法国国籍，但至死未能如愿。在巴黎为他的同胞毕加索的成就所吸引，他们往来密切，他们共同从事立体派创作。格里斯早期属于分析立体派，首先是分析对象，然后，不是在变化着的对象表面，而是在他们连续不断的体态里，去努力捕捉对象，从而在画面上造成一种复杂奇特，但又极具表现力的重叠。这时期的代表作品是《毕加索像》。
格里斯后来走向综合立体派创作，他认为在画的形状结构和色彩之间已经有着某种分离，而色彩有时又很难用一笔表示出来。因此，在粘贴画中，细部都可以互换，同时也不损害牢固建立起来的形状结构。1920年他声称：“我通过组织我的画面来开始工作，然后，我再给每个物体定性。”实际上他是以想像作为开始，试着把抽象的东西具体化，制造出一些特殊的个体。塞尚是把一个瓶子变成一个圆柱体，而他则是把一个圆柱体变成一个瓶子或变成某个瓶子。人们推论说他只有抽象理论的头脑，专横地推翻了艺术创作的一切正常主题并摒弃了一切人性。其实格里斯的艺术真正伟大之处在于接近音乐，他创造了一种纯正、高雅、严肃，具有静态美的整体效果，抛弃了一切细枝末节。
西方现代美术德国表现主义
德国表现主义主要有两个集团组成：德累斯顿的“桥”社(北德)和慕尼黑的“青骑士”俱乐部(南德)。
桥社成立于1905年，它的创始人是凯尔希纳、黑克尔，尔后参加的有诺尔德、佩希斯泰因等。凯尔希纳在一份宣言中声称：“每一个人，每一个属于我们的人，直接地、毫不虚伪地表现出驱使他们进行创作的东西。”他们赞赏凡·高和高更的作品，对蒙克持肯定态度，而且对原始艺术怀有虔诚态度。不过他们每个人都从不同角度吸收自己所需要的东西。他们描绘自然和城市中变化多端的世态万相，总带有一股愁闷的、空虚的、木偶般的神态。桥社在风格上的探索，带有强烈的感情色彩。在形式上起先多采用流畅、松弛、自由、柔和的线条，尔后就逐渐倾向于紧张、曲折、斜向，最后又变得短促、坚硬，这只是总的画风。
在南德巴伐利亚州的首府慕尼黑活跃着另外一个表现主义集团，取名“青骑士”，成员有马尔克、克利等。法国的德劳内在立体主义基础上的松散的几何形结构，大胆吸收色彩光学原理而创造的色彩技法，都给“青骑士”成员很大的启发，他们视他为“现代美术”的缔造者。青骑士集团的宗旨与桥社一致，但表现语言多采用抒情的抽象语言。他们对不可见的内在精神比对任何可见的外部世界更感兴趣，希望给这种内在精神以一种可见的形和色，从而把艺术和深刻的精神内容融为一体。主要表现在康定斯基的艺术中。
黑克尔 (年)
埃里希·黑克尔出生在德国的萨克森郡的杜勃恩。21岁入德累斯顿技术学院学习建筑并参与创立《桥社》。早期作品色彩强烈。25岁赴意大利旅行后改变了画面的色调，渐渐趋于和谐。
在黑克尔的艺术创作中，他善于在戏剧性的情节中描绘人物的思索、焦虑和病态的精神面貌，他似乎在压抑自己的内心的激情而使得画面趋于和谐与稳定。
诺尔德 (年)
埃米尔·诺尔德出身在德国北部石勒苏益格的农民家庭。17岁入费伦斯堡绍尔曼的雕刻学校学习木雕，后进卡尔斯鲁厄工艺美术学院学习。32岁到巴黎朱利安美术学院深造。
1906年诺尔德参加桥社，他是这个团体中最有才华的画家。他能把自然、原始的和心灵上的细致的因素和力量，通过简明的形式和充满热情的色彩和谐地表现出来，尤其是他的色彩。他是一位用色彩表现人的情感，用色彩的音符奏出响亮悦耳的乐曲的画家，他的绘画中明亮的色彩处理是得益于印象派的启发。正如他自己所说：“色彩是我的音符，用来勾画相和谐又相抵触的音响及和弦。”他在作品中追求一种冷酷而燃烧的情感表现，放射出他那主观的情感，画中跳动、强烈的色彩将人们引入一个激荡和不安的世界，一种原始的放纵。
诺尔德个性特征是农民、隐士和预言家三者兼而有之。希特勒当权时，他的艺术被宣布为“颓废”而被禁止。
马尔克 《》
“青骑士”是德国表现主义美术团体的名称。在20世纪头二十年它酝酿、产生、活跃于慕尼黑地区。“青骑士”的德文原文叫der Blaue Reiter，按理讲应译为“蓝骑士”，我国美术界则称为“青骑士”，本来在中文里叫“蓝骑士”也是可以的，但既为“蓝骑士”总离不开马的，该团体又确有不少画马的作品，如果将德文中用同一个表示颜色的形容词限定的马称为“蓝马”，在中文里总显得别扭，我们习惯叫“大青马”，没有听说叫“大蓝马”的。马是青马，人就成了“青骑士”。
马尔克 《大黄马》
马尔克在精神上最接近德国浪漫与抒情的传统，早年作品中用色带有象征的意味，造型为曲线的、富于体积感的、有力的结构，后来作品趋于抽象。
保罗·克利出身于瑞士伯尔尼郊区一位音乐教师家庭。克利自幼爱好文艺，中学时就写过小说作过诗，还是业余小提琴手。19岁时入慕尼黑库列尔的画室学习绘画，21岁考入慕尼黑美术学院，在丘特维克的画室与康定斯基同学。
20世纪初年克利广游意大利考察文艺复兴艺术，因此他对古典艺术了解甚深。1905年来到巴黎对印象派推崇备至，次年迁居慕尼黑于1912年参加“青骑士”团体。大战爆发后应征入伍，直到大战结束开始作画。尔后应聘包豪斯学院任教，希特勒执政后被驱逐出境又回到故乡，逝于洛迦诺。
克利的艺术是一个复杂的文化现象，他那变化多端的艺术语言令人眼花缭乱，捉摸不定。这是因为他的思想总是在现实与幻想、听觉与视觉、具象与抽象之间自由往来，因此人们视他为超现实主义画家。在他的笔下，形体、线条和色块的组合，时而从某种观念的符号，时而从童稚的天真想像，时而从客观形态本身的节奏，时而从化着乐曲的声音世界里跳跃出来，克利总是敏锐地把握着奇妙的图画。不管怎么看克利所使用的艺术语言，或具象形象或抽象符号，都是来自他对客观事物的感受，是从客观形态的认识中提炼加工而成的。在创作过程中，画家自身各种素质起了作用，他企图运用创造的语言表现自己的思想情感。
康定斯基 (年)
瓦西里·康定斯基出生于莫斯科，逝于塞纳河畔纳伊。20岁时入莫斯科大学法律系学习，在从事民俗史学研究时，广泛接触到俄罗斯的民间艺术和装饰艺术。30岁时作为法学博士和大学教师决心投身于绘画而入德国慕尼黑美术学院进修绘画，34岁毕业后成为职业画家。作为画家的康定斯基，广游了艺术之邦意大利、法国、荷兰和比利时。一度对新印象派的点彩画法产生浓厚的兴趣，结合自己对俄罗斯民间艺术的爱好与研究，这时的作品，显示出色彩强烈、粗犷、纯朴的民间画风，很少有古典主义传统。既有写实的，如《蓝骑士》，也有点彩法的如《马上的情侣》，并未形成稳定的个人风格。在1910年以后画风突变，转向抽象表现主义。
1910年一个偶然的机会，他从一幅倒置的写生画中发现抽象的意义，这使他认识到：外界自然的具体事物常常会干扰人们去欣赏艺术本身的美，因而他逐渐转向抽象画面的探索。第一次大战爆发，康定斯基回到俄国，十月革命后担任莫斯科绘画博物馆馆长，参与建立“无产阶级文化协会”，担任莫斯科大学教授，1921年创立俄罗斯艺术科学院。由于苏维埃提倡现实主义，康定斯基的抽象艺术无法存在，因此重返德国，应聘包豪斯学院任教，成为一位出色的艺术教育家。从此他以几何抽象的形式彻底取代了他前期的风格。1933年迁到柏林的包豪斯学院遭到纳粹的封闭，康定斯基的作品被宣布为颓废艺术，画家被迫迁居巴黎直到去世。
如何理解康定斯基的抽象艺术？
康定斯基认为：绘画可以来源于对抽象的强烈要求，而不一定受客观世界面貌的约束。至于想像就是对存在关系的一种主观透视，必须寻求一种新的形式象征符号与色彩的和谐。在康定斯基的心目中，绘画犹如各种不同世界的大相撞，在相互的斗争中，由此产生出一个新的世界。每一幅作品的起源如同宇宙的起源一样，是大灾难之后的产物，其结果如同在各种乐器的杂乱无章的噪声之中，提炼出一部交响曲。创作出一幅作品，如同创造一个世界。在康定斯基的画中，从他的构图结构、线条色块中，有一种内在精神、欲望、激情的自由流露，在运用线条、色块组合并没有固定的格式，都是画家强调精神表现的产物。
蒙德里安 (年)
皮特·蒙德里安出身在荷兰的阿麦斯福特一个教会学校校长家庭，14岁开始学画，20岁成为当地的一位中学美术教师，开始从事学院派和写实主义创作，后又从印象派、象征派和后印象派中吸取养料。直到1911年，他在荷兰看到毕加索和布拉克的早期立体主义作品后，次年就赶赴巴黎，开始按立体主义方法作画。最初试用最单纯的红、黄、蓝和绿等原色来描绘风景。在以后的年代里，他以抽象的平面，用正面化的手法来表现风景，1914年回到荷兰创立风格派，提倡新造型主义。
蒙德里安把新造型主义视为一种手段，通过这种抽象符号把丰富多采的大自然简化成有一定关系的表现对象。他认为：“唯有纯造型才能完成最后的抽象。在造型艺术中，真实性只能通过形式和色彩，有动势的运动的均势才能表现出来，纯手段才是提供达到这一点的最有效的方法。”这一思想使他通过直角，通过把色彩简化为原色，并加上黑和白，成为一种非全等的、对立的均衡。正如他自己所说：“我一步步地排除着曲线，直到我的作品最后是由直线和横线完成，形成诸如十字形，各个相互分离和隔开，直线和横线是两相对立力量的表现，这类对立物的平衡到处存在着，控制着一切。”
蒙德里安在1914年的画中，曲线已经消失，垂直与水平结构居主导地位；1919年以后通过垂直与水平线结构的动势平衡，以及使用原色，完成了他表现宇宙的理想，达到一种人与自然统一的境界。
蒙德里安认为垂直线和平行线组成的几何形体是艺术形式最基本的要素，唯有几何形体才是最合适表现“纯粹实在”，他希望用这些基本要素，最纯粹的色彩，创造出表里平衡、物质与精神平衡。
创造这种平衡艺术思想根植于当时的社会现实，通过一次大战，社会普遍处于不安状态，他创造这类宁静平衡的艺术，企图安慰人们不安的心灵。
西方现代美术野兽主义
西方现代美术简述
20世纪初西方现代艺术开始形成，最初的前卫美术运动是“野兽主义”。“野兽”一词在这里是用来形容他们的绘画作品中那令人惊愕的颜色，扭曲的形态，明显地与自然界的形状全然相悖。 在法国1905年的秋季沙龙展览会展出了以马蒂斯为首的九名青年画家的作品，由于画风令人惊愕，以致舆论哗然。评论家路易·沃克赛勒看到在一片色彩狂野的绘画作品中间有一件马尔古所作的模仿意大利文艺复兴初期雕塑家多那泰罗风格的作品，便随口说了一句：“多那泰罗置身于一群野兽的包围之中。”从此，这个画家群体就被称为“野兽主义者”。
以马蒂斯为首的这群青年画家不满足于象征主义的神秘色彩，主张色彩的彻底纯化，以便更加清晰地表现画家的感情。表现感情是野兽主义画家的宗旨。野兽主义画家弗里茨给野兽主义下的定义是：“通过颜色的交响技巧，达到日光的同样效果。狂热的移写（出发点是受到大自然的感动）在火热的追求中建立起真理的理论。”
野兽主义的主要原则是通过颜色起到光的作用达到空间经营的效果，全部采用既无造型，也无幻觉明暗的平涂，手段要净化和简化，运用构图，在表达与装饰之间，即动人的暗示与内部秩序之间，达到绝对的一致。马蒂斯说过：“构图，就是以装饰方法对画家用以表达自己感情的各种不同素材进行安排的艺术。”野兽主义画家们广泛利用粗犷的题材，强烈的设色，来颂扬气质上的激烈表情，依靠结构上的原则，不顾体积、对象和明暗，用纯单色来代替透视。马蒂斯的老师莫罗曾对他说过：“你必须使绘画单纯化。”所以作为野兽主义始终的代表马蒂斯顽强地使色彩恢复它本来具备的力量，单纯和表现的意义。
野兽主义自1905年发端到1908年已趋消沉，尔后由立体主义所取代。
西方现代美术代表画家
马蒂斯 (年)
亨利·马蒂斯出生在法国北部小镇卡托,逝于尼斯的西米亚兹。他是20世纪初最前卫的美术流派——野兽主义的领袖。
马蒂斯早年从事法律事务，23岁改学绘画，曾入朱利安美术学院师从布格罗，尔后进象征主义画家莫罗的画室。莫罗对色彩的主观见解对马蒂斯影响很大，莫罗认为“美的色调不可能从抄袭自然中获得，绘画的色彩必须依靠思索、想像和梦幻才能获得”。在他离开学校后又受西涅克的点彩派影响，同时吸收凡·高和高更所长，借鉴黑人雕塑和东方装饰艺术，表现出对传统艺术的彻底决裂。作品中体现了野兽派的美学观念：即大胆的色彩、简练的造型、和谐一致的构图以及强烈的装饰性，形成了他独特的画风——那就是世人熟悉的画面简洁、清晰，省略了多余的细节，以单纯的线条和色彩构成画面艺术形象。
1908年马蒂斯公开表明了自己的艺术观念，他说：奴隶式的再现自然，对于我是不可能的事。我被迫来解释自然，并使它服从我的画面的精神。色彩的选择不是基于科学，我没有先入之见的运用颜色，色彩完全本能地向我涌来。他还说过：我所梦想的艺术，充满着平衡、纯洁、静穆，没有令人不安、引人注目的题材。一种艺术对每个精神劳动者是一种平息的手段,一种精神慰藉手段熨平他的心灵；对于他们意味着从日常辛劳和工作里获得宁静。他称这种艺术为安乐椅式的艺术。
在野兽派销声匿迹以后，马蒂斯仍继续他的艺术探索。他为了研究人体借助于雕塑，他一生创作了大约70件雕塑作品。在20年代之前曾采用各种自由手法创造一种新的绘画空间，还经历了短暂的立体主义时期，但他从未出现支离破碎的物象，他通过研究如何将物体几何化、简化。他在不改变观点的前提下，将大块的鲜明色彩作抽象的安排，达到既富有装饰性又具有空间深度的效果。
晚年的马蒂斯通过彩色剪纸来试验色彩关系。他的艺术达到极其简练，带有平面装饰性。然而他的伟大之处正在于超越狭小的装饰天地，从而创造了“大装饰艺术”的概念。
《舞(第2号)》
马蒂斯的艺术风格是单纯、简洁、清晰，以线和色块构成艺术形象。
在这幅画中仅用三种色彩，即红色人体、绿色地面和蓝色天空。整个画面便是由这三种在量感和分布上平衡、和谐的色彩，与构成人物的富有节奏、韵律的线条浑成一体，从而生发出动人的艺术魅力。
马蒂斯的色彩和线条既各自独立又彼此和谐、同时并进，构成一个有机的艺术整体。尽管马蒂斯声称他作画并不关心形象的含义，只关注色彩、线条和构图的美学意义，但在这幅舞蹈中通过对人体动势的描绘，仍然表达出对人生欢乐的赞颂。
这幅画作于1912年，在画面结构和色彩的运用上明显地受到东方艺术的影响，他致力于追求富有力度的线条与鲜明色彩的协调。
画面以俯视角度布满构图，物象的配置、安排，线条的变化，色块的分布既强烈对比又和谐统一。画家不是在抄袭自然而是在表现自己对自然的感受，仍然可见他对自然的细节观察和表现入微。他画出了鱼缸中红色金鱼漂游的感觉，透明的玻璃鱼缸由于光线的折射，从水面观察时与透过玻璃缸所见到的鱼画法是迥然不同的。
《国王的悲伤》
画题与作品本身对马蒂斯来说并无什么联系，它只是一种符号而已，人们不必去顾名思义，应着意于画面色彩与线条的配置所显示的审美意义。
画面上有三个不同色块构成的抽象的类似人的形象，中间黑色块是个怀抱提琴的人物，是否是圣经中的大卫王在弹琴呢？不得而知。可见画家的目的是通过黑、白、绿、黄和红、蓝色块及线条的并置与对比，表达出自己愉快欢乐的心情。
西方现代美术表现主义
表现主义，是指艺术中强调表现艺术家的主观感情和自我感受，而导致对客观形态的夸张、变形乃至怪诞处理的一种思潮，用以发泄内心的苦闷，认为主观是唯一真实，否定现实世界的客观性，反对艺术的目的性，它是20世纪初期绘画领域中特别流行于北欧诸国的艺术潮流，是社会文化危机和精神混乱的反映，在社会动荡的时代表现尤为突出和强烈。
在北欧各国的传统艺术中早就存在着表现主义的因素：在早期日尔曼人的蛮族艺术、中世纪的哥特艺术、文艺复兴中的鲍茨、勃鲁盖尔等画家的作品中都可以看到变形夸张的形象、荒诞的画面艺术效果，这些都表露出强烈的表现主义倾向。
19世纪末，出现了象征主义的影响和现代风格混在一起的第一个表现主义运动，先驱代表画家是荷兰人凡·高、法国人劳特累克、奥地利人克里姆特、瑞士人霍德勒和挪威人蒙克，他们通过一些情爱的和悲剧性的题材表现出自己的主观主义。
20世纪表现主义的主要基地是德国，这决定于德国的社会现实，同时受到尼采的主观唯心主义哲学、弗洛伊德的精神分析学说和斯泰纳的神秘主义的影响。
西方现代美术维也纳分离派
19世纪末维也纳美术界以学院派为主建立的“艺术家协会”中，一些持不同艺术见解的青年艺术家于1897年重新成立了“奥地利造型艺术协会”。不久克里姆特等八位青年艺术家因观点不同退出该协会，于日在维也纳另行组织艺术家团体。他们并没有明确的艺术纲领，只是创作思想相近，便形成了所谓维也纳分离派。分离派画家反对古典学院派艺术，宣称与其分离，主张创新，追求表现功能的“实用性”和“合理性”，既强调在风格上发扬个性，又尽力探索与现代生活的结合，创造出一种新的样式。分离派是在绘画、装饰美术、建筑设计上有过影响的新艺术流派。它在形式上虽好使用直线而其根本精神却在于反对传统规范艺术，主张与现代的文化接触与现代生活的融合。这个派的画家们在反对学院派旧艺术形式这一点上是一致的，但在艺术倾向和风格上，始终是多种多样的，所以说它并没有明确统一的纲领，它对德国的影响很大。
克里姆特 (年)
古斯塔夫·克里姆特是奥地利维也纳分离派第一任主席。
克里姆特出生于维也纳，14岁进入维也纳的奥地利博物馆附属的工艺美术学校，接受长达17年的学院式的基础绘画训练，毕业后与其弟及友人自立设计工作室为国内外绘制壁画。他早期的作品基本上采用传统的表现方法，以严谨的造型和浓厚的色彩为其特征。成立分离派之后便探索装饰性和象征性相结合的表现风格。
克里姆特的艺术深受荷兰象征主义画家图罗普、瑞士象征主义画家霍德勒和英国拉斐尔前派的比亚兹莱等人的艺术影响，同时吸收了拜占庭镶嵌画和东欧民族的装饰艺术的营养，致使他的画具有“镶嵌风格”。后来由于他对色彩强烈、线条明快的中国画以及其他东方艺术发生兴趣，致使他的画风又发生新的变化。他还使用工艺的手法采用羽毛、金属、玻璃、宝石等材料，以平面化的装饰图案组成他的艺术品，使作品具有华丽的装饰效果。
在他的作品中构图严谨细致，除人物面部和身体裸露外，其余的服饰和背景都充满着抽象的几何图案，这种修长变形与写实相结合的造型,被包围在充满抽象、象征的甚至神秘意味的气氛中，具有花坛般的装饰美。但是，在那绚烂豪华的外表里边，却也蕴含着人类苦闷、悲痛、沉默与死亡的悲剧气氛。
《女人的三个阶段》
画家运用象征的手法将女人的一生——幼年、青年和老年三个阶段浓缩在一幅画中,这是一首不可逆转的人生三部曲，表现出画家对命运的感伤。
克里姆特擅长以具象写实塑造人物，而以图案装饰环境和衣饰，达到多样变化和谐统一的美感。在这幅画上构图类似十字架，上方大块黑颜色，这可能喻含对死亡的恐怖，表现了画家生与死的观念。
《达娜厄》
达娜厄是希腊神话中海耳戈斯王阿克里西俄斯的女儿。这个题材曾为提香和伦勃朗等大师画过，不同时代、不同画家所创造的达娜厄的形象都不同。克里姆特所塑造的这幅蜷缩在方形的画面被各式图案纹样所包围的形象十分特别，他以写实的手法，从现代人的审美观念出发，描绘了一位体态丰润充满性感诱惑力的裸女，表现出一种潜意识中的压抑和欲望。
在这幅水彩画中仍然保持了镶嵌画的格调，并且汲取了古代波斯细密画的某些表现手法，人物由装饰服饰包裹，构成一个纹样变化的整体，既和谐又变化统一。
画家通过《吻》的情节表现爱的崇高与幸福。在画面形式营造上调动了各种艺术手段，诸如各种线条和色块的组合，色彩中掺入金粉，使画面呈现出晶莹华丽的装饰美感。
这是画家为比利时布鲁塞尔的斯托克莱宫绘制的壁画局部。这组壁画以彩色镶嵌的手法制作而成，具有十分浓郁的装饰性，并使用了金箔和银箔，使壁画显得十分富丽堂皇。
画家以编织组合的图案和象征的手法，描绘出一对恋人拥抱在一起的情景，除了人物的头部鲜明外，整个人物形象被淹没在十分夺目的各式图案纹样之中。
《莎乐美》
《莎乐美》取材于圣经故事：犹太希律王生日时，侄女莎乐美为他跳舞祝寿，他兴致所至便许诺她任何要求，侄女受母唆使，说要施洗约翰的头（因其母与希律通奸被约翰指责，记恨在心，此时报复），国王就斩了约翰。
画中莎乐美的形象被置于长构图中，由两条鲜明的弧状线包围着，上身裸露的双乳突现,充满淫艳性感，而僵硬的双手却呈现出可怕的杀气，在她那美丽的面孔上却隐含着悔恨之意，这是一个有着复杂矛盾的艺术形象。在画面下部隐现约翰半个头像。
画家以写实的造型描绘莎乐美的冷艳面孔和袒露的胸肩，其余画面则填满了各种形状、各种色彩的图案纹样。在这幅装饰画里潜藏着一股悲壮的冲击力，交织着情爱的感伤和生死的矛盾。妖艳、死亡和梦幻充满了这个装饰空间。
爱德华·蒙克出生于挪威的洛顿城，曾长期居住在德国柏林，他对德国表现主义的影响是至关重要的。
19岁的蒙克进入克里斯蒂安工艺美术学校开始学画，22岁时来到巴黎，与高更和劳特累克过从甚密，并参加新艺术运动的设计和讨论活动，开始转向表现主义。
蒙克1892年来到柏林，作品因形象怪诞曾被愤怒的德国观众当场捣毁了几幅。此后他长期居住在柏林，经常与象征主义作家普斯贝佐夫斯基、剧作家斯特林堡一起探讨尼采哲学和佛洛伊德精神分析学的命题，这使他的绘画创作更带有强烈的主观性和悲伤、苦闷的情调。45岁的蒙克由于长期的精神压抑，患了精神分裂症。两年后回挪威定居，思想才得以平复。这时他所作的画表现出北欧清新明朗的自然。蒙克对表现主义影响最深的是居住在柏林18年中的创作活动。这一时期作品中的人物，往往都是些在忧郁、惊恐、彷徨状态下的一些丧魂失魄的幽灵；画面上那些扭曲的线条、神秘的色彩，都充满表现主义的特征。他对现实生活的不满不是通过描绘生活本身的丑恶和罪孽，而是经过对这种罪恶生活的认识后产生的愤恨来表达的。这给德国表现主义艺术的发展开辟了道路。
《病中的孩子》
蒙克26岁时说过：“我要描绘那些在生存、在感受、在痛苦、在恋爱的活生生的人们。”所以有人说他是“近代描绘人类心灵的肖像画家”。
蒙克童年时母亲和姐姐都相继死于肺病，后来父亲和一个弟弟又不幸去世，妹妹患了精神病，这种家庭悲剧使蒙克心灵创伤太深，影响着他艺术思想的发展。关于这幅画他说过：“我以《病孩》开辟了新路，它成为我艺术中一次突进，我其后的大部分作品的产生都归功于这幅画。”画家企图探索人们对病与死的感觉，为了真切地揭示主题，他曾与父亲一起去探视病人，观察病人的神态。
在这幅画中的母亲，在为孩子的不幸而内心绝望和悲哀。空荡荡的室内，别无他物，这更增加了死亡迫近的凄凉气氛。
关于这幅画的创作，蒙克自己曾有一段记述：“我和两个朋友一起去散步，太阳快要落山了，突然间，天空变得血一样的红，一阵忧伤涌上心头，我呆呆地伫立在栏杆旁。深蓝色的海湾和城市上方是血与火的空间，友人相继前进，我独自站在那里，这时我突然感到不可名状的恐怖和战栗，我觉得大自然中仿佛传来一声震撼宇宙的呐喊。”
画家运用了奇特的造型和动荡不安的线条，燃烧的血红色彩云以及象征死亡的黑色，表现了画家内心的恐惧情感。
《青春期》
这幅画又称之为《夜》，画中描绘了一位未成熟的少女裸像，她惊恐不安地注视着渺茫的前方，侧光从右下方照射，将她的身影投在沉沉的夜色背景上，更增加了画面的恐怖气氛。从蒙克的人体造型可见他具有很高的写实技巧。
《生命的舞蹈》
这幅画是根据画家在巴黎的一个舞场观察所得的感受创作而成。画家以舞蹈的瞬息来描绘生活本身的哲理。
画中人物和环境都有着深刻的象征意义：画面左边的身着白色衣裙的姑娘和草地上生长的一枝小花，象征青春、纯洁和美丽；中间一对拥抱起舞的男女象征燃烧着的爱情；右边一位孤独的中年妇女，陷入悲哀与失落、绝望与忧伤；背景上还有不同的舞者都被欲望所驱使，陷入疯狂和激动；画家以不同心态的人们，象征性地反映出人类对欲望、成功与绝望的三个生命环节，以揭示生命的过程，展现环境的博大，衬托人的内心世界的变化与活动，表现客观世界与人的生命之间的互相感应。
西方现代美术原始主义
“原始主义（Primitivism）”代表人物是法国画家亨利·卢梭（Henri Rousseau）。
亨利·卢梭出生于法国拉瓦尔，逝于巴黎。他18岁从军，27岁参加德法战争。退役后任税务员（一说是海关职员），是位业余画家，到40岁退了职开始不断地作画，受到当时前卫艺术家毕加索等人的推崇。他的画没有师授，完全靠自学成功。他自己说：“除了自然之外，我没有老师。”人们称他为“星期日画家”。这类画家出于完全喜欢画而作画，没有任何规律约束，有着纯朴的感情，因而其作品有一种原始的和纯朴率真的美感。他的作品中没有过分考虑西方传统绘画中的比例、空间、透视等，他笔下的人物、动物、植物等的形象比较僵硬呆板，近似木偶，色彩也很单纯，所以，他的画总是透出一股浓浓的“原始气息”，这是所谓的“原始主义”的来源。也叫“朴素主义”。
卢梭创作热衷于创造一个幻想的世界，实际上，他的艺术很难归到哪一派，但他的画法属超现实主义。他似乎总是生活在一个梦幻的世界，这种与生俱来的爱幻想的天真性格，在他的日常生活中也充满天真烂漫，他的画具有原始童话般的魅力。